v1.0 . (Dynamische Rockmusik, Gespräche im Hintergrund) Es hat mich neugierig gemacht, weil ich hab noch nie Kunstwerke gegessen. (Lockere Rockmusik) Der Künstler Caique Tizzi ist zu Gast im Wilhelm-Hack-Museum in Ludwigshafen. Im Gepäck hat er keine Gemälde, sondern Speisen. Eine essbare Installation. Denn seine Sockel werden bei ihm zum Esstisch. (englisch:) Meine Installationen sind immer vielschichtig, Mit vielen Elementen. Natürlich liegt der Fokus auf dem Essen. Es gibt Tahin und Chips, Brot und Himbeerbutter. Außerdem verwende ich nicht essbare Elemente, wie Keramik und Ton. Ich versuche immer, so viel wie möglich mit natürlichen Stoffen zu arbeiten. Mit der Installation FoodWeb will er zeigen, wie Lebensmittel die Welt vernetzen. Wie weit die Wege sind, die manche zurücklegen, bis sie auf unserem Teller landen. Dafür benutzt er Obstnetze aus Keramik die er zwischen Essbarem drapiert. Essen ist DAS Thema meiner Arbeit. Ausgangspunkt sind immer die vielfältigen Bedeutungen, die es in unserer Gesellschaft in unterschiedlichen Zusammenhängen hat. So viele Dinge passieren am Tisch, viele Geschäfte werden am Tisch abgeschlossen, Familien sitzen um den Tisch. Viele Aspekte unseres Lebens spielen sich dort ab. Caique Tizzis Installation findet im Rahmen einer ganzen Ausstellung zum Thema Ernährung statt. "Politik am Küchentisch" thematisiert die politischen Aspekte. Ganz nach dem Motto: "Du bist, was du isst". Künstler aus der ganzen Welt setzen Brot, Kartoffeln und Getreide in einen gesamtgesellschaftlichen Kontext. Ich glaube, dass diese Künstlerinnen-Generationen, die sich in der Ausstellung widerspiegeln und auch der Ansatz etwas Neues sind, das wir hier machen. Was viel auch mit ökologischen Fragen zu tun hat. Mir waren auch die unterschiedlichen Erzählungen, Sichtweisen, Perspektiven wichtig. Die Arbeit eines Künstlerkollektivs aus dem Kongo. Es geht um Kolonialismus und die ausbeuterische Kakaoindustrie. Mit dem Erlös ihrer Kunst kauft das Kollektiv Land von Plantagen zurück. (Nachdenkliche Musik) Bei den Skulpturen aus Schokolade ist Naschen strengstens verboten. Bei Caique Tizzi hingegen ist es sogar erwünscht. Ich erinnere mich daran, wie fasziniert ich als Kind von Kunst und Museumsbesuchen war. Meine Reaktion auf Kunst, die ich mochte, war der Wunsch, sie zu essen. Gemälde zum Beispiel, die ich schön fand, wollte ich mir auf eine Art einverleiben, indem ich sie esse. (Lockere rockige Musik) Hey! Come eat! Für ihn endet seine Kunst nicht beim bloßen Anrichten. Auch der Prozess des gemeinsamen Essens spielt eine wichtige Rolle. This is plastic. (lacht:) I don't want to eat it. You cannot eat anything of that, this is fake. Für mich liegt die Poesie darin, dass die Leute zum Archiv meiner Arbeit werden. Jeder nimmt heute ein Stück des Werkes mit. Die Besucher werden ein Teil davon. Durch Erinnerungen oder Gefühle, die sie zusammen erleben. Auch die Gespräche werden Teil des Kunstwerks. Bissl scharf ist das auch, also, dieser ... (Angeregtes Stimmengewirr) Hm ... Zucker. - Ah. Mhm. Thank you. Es fasziniert mich, die Reaktionen zu sehen, wie Menschen die Welt durch ihre Zunge wahrnehmen. Irgendetwas in meinem Kopf fragt sich, was denken ihre Zungen? Viele Besucher reagieren zuerst zurückhaltend auf seine Einladung, sich zu bedienen. Kunst zu essen, ist für die meisten eine neue Erfahrung. Es sind sehr ungewöhnliche Geschmäcker, muss ich sagen. Ja, man ist erst mal überrascht, weil die Formen und Farben, wie zum Beispiel dieses Grau, dieser Schlamm, dieser graue, zu essen, ist erst mal, ja, ein bisschen Überwindung. Toll. Erstens mal ist es sehr farbenfroh, zweitens esse ich gern, drittens experimentiere ich auch gerne. Also, ich war total neugierig, ich hab den Aufbau bissl mitverfolgt. Man ist verunsichert von den Farben her. Es sind Teile, wo man denkt: Kann man das essen? Vielleicht müsste man die Augen zumachen und einfach nur schmecken? Probieren, bissl mutig sein. (Lockere Musik) Caique Tizzis sinnliche Kunstaktion in Ludwigshafen bringt die Leute zusammen und macht ihnen den Museumsbesuch durchaus schmackhaft. (Rauschen, Dröhnen) (Ruhige Klaviermusik) Hayato Sumino, japanisches Ausnahmetalent am Klavier. Chopin und eigene Kompositionen sind seine Spezialität. (Temperamentvolle Musik) Er hat Millionen Klicks auf YouTube, wo er als "Cateen" seit Coronazeiten regelmäßig eigene Videos hochlädt. (Zarte Klänge) Gerade ist der Künstler gefühlt überall in der Region präsent. Mehrfach tritt er beim Rheingau-Musikfestival auf als Artist in Residence. (Kurze hohe Klavierläufe) Genauso Anfang der Woche in einer Wehrheimer Brauerei, wo sein Chopinprogramm von vier Kameras aufgezeichnet wird, damit er zeitgleich in Mainz zu sehen ist. Er spielt an einem sogenannten "Spirio-Cast-Flügel". Magische Momente und das wortwörtlich. Denn zeitgleich bewegen sich Klaviertasten in Mainz wie von Geisterhand. Das Publikum sitzt hier in der Akademie der Wissenschaften und darf gratis lauschen. Nur dass der Künstler 50 Kilometer entfernt in Wehrheim spielt. An einem baugleichen Flügel. (Abwartende Musik) (Wilde Musik) (Helle, abfallende Tonkaskaden, die dann wieder aufsteigen.) (englisch:) Bei der Reproduktion des Tones gibt es Beschränkungen. Denn natürlich ist jedes Klavier anders, jede Raumakustik auch. Also ist auch der Klang in der Brauerei nicht der gleiche wie in einem anderen Raum auf einem anderen Flügel. Es gibt einfach Grenzen. (Fulminante Orchestermusik) Mit drei Jahren schon spielt er Klavier, studiert dann Ingenieurswissenschaften und forscht zur Musikinformationsverarbeitung. (Temperamentvolle Musik) Ich war allgemein immer ... an Technologie interessiert. Deswegen begreife ich es als eine andere Art von Konzert. Wir haben ja schon YouTube, das Fernsehen und andere Medien, über die musikalische Inhalte aus der ganzen Welt zu sehen sind. Der Spirio ist also genau so etwas. (Ruhige Musik) Am Nachmittag vor dem Konzert in der Mainzer Akademie. Letzter Check für den Spezialflügel. (Ruhige Musik) Die Platinen sind das Geheimnis. Wir mikrofonieren ja nicht das Instrument, wir nehmen hier keinen Klang auf, sondern wir nehmen, wie sagt man, die Bewegung der Hammerköpfe auf. (Eindringliche Musik) Es sind die Bewegungen der Finger von Hayato Sumino, die später von seinem Flügel per Internet zu diesem übertragen wird. (Kontemplative Klänge) Der optische Sensor, der drunter verbaut ist, erfasst 800-mal pro Sekunde, wie sich der Hammerkopf bewegt hat. (Schnelle Tonläufe) Die meisten Käufer dieses Flügels: Privatleute, die damit das Wohnzimmer zur Elbphilharmonie machen wollen. 230.000 Euro kostet so ein Instrument heute. Ein Flügel nur für Reiche? Natürlich gibt es, ja, Menschen, die diesen Flügel zu Hause haben und dann mit ihrer Familie das Instrument genießen. Aber dass das ein Instrument ist nur für Reiche, wird wunderbar widerlegt hier in der Akademie der Wissenschaften und der Literatur. Für das Konzert heute wird kein Eintritt verlangt. Jeder kann kommen und den Künstler erleben. Für die Akademie und den Konzertsaal in Holzbauweise wurde so ein Flügel durch eine Crowdfunding-Aktion angeschafft. Wir sind überzeugt, dass das so gut funktioniert hat, weil es eben so ein besonderer Flügel ist, der eben zusätzlich diese innovative Technik hat, die es uns eben erlaubt, diese Konzerte anbieten zu können von Künstlern, die man hier sonst in Mainz wahrscheinlich nicht erleben könnte. Damit man den Pianisten in Mainz wenigstens sehen kann, werden in Wehrheim Kameras aufgebaut. In Mainz gibt es fürs Publikum vorher eine Gebrauchsanweisung. Es mag sein, dass der Künstler in Wehrheim Sie nicht hören kann, aber wenn Sie begeistert sind, lassen Sie Ihrer Begeisterung gerne freien Lauf. (Stimmengewirr) Ob die Aura Hayato Suminos auch hier zu spüren ist? (Stimmengewirr) (Unvermittelter Klavierton) (Tieferer Ton wird gespielt.) (Flinkes, unruhiges Klavierspiel) Ein bisschen geisterhaft wirkt das Ganze schon. Aber Applaus in Mainz und in Wehrheim für den anwesenden Künstler. Es war doch sehr intensiv und wahrscheinlich das beste Klangerlebnis. Es hat sich angefühlt, als wäre der Pianist im Raum und würde für uns spielen. Als Gesamterlebnis ist es natürlich schon noch mal beeindruckender, wenn die Person auch authentisch da ist. (Stimmengewirr) Und statt einer Autogrammstunde gibt's in Mainz am Schluss eine Technikführung. Sieht so das Konzert der Zukunft aus? (Wabernde Klänge, markante Klaviermusik) 1963. Ein Sportwagen, ein Steinbruch, Dynamit. (Explosionsklänge) Pure Provokation als Kunst. (Musik wird schwungvoller und jazziger.) Es ging dieser Künstler:innen- Generation ganz stark darum, die Realität wieder in die Kunst zu bringen. (Lebhafte Jazzmusik) In dieser Zeit, in den 60ern, war das Auto natürlich ein ganz wichtiges Emblem. Alle wollten eins haben, Massenproduktion hat dafür gesorgt, dass man Autos eben auch besitzen konnte. Also wie ein Tafelbild, kann man sagen, sehen wir dieses Auto jetzt an der Wand hängen. Und das ist so ein ganz typisches Verfahren der Nouveau Réalistes und dieses Umfeldes, sich mit den Dingen auseinanderzusetzen, aber nicht an den glänzenden Oberflächen bleiben, sondern wirklich in die Körper dieser Dinge hineingehen, in die Fragen, die sich daraus stellen, in Bedeutungen. Sie wollten nichts weniger als die Grenzen zwischen Kunst und Leben neu definieren. Fragen, was Dinge wirklich bedeuten oder bedeuten könnten. Was einen so im Alltag umgibt, Plakatwände in Großstädten zum Beispiel. Sie sind in den öffentlichen Raum gegangen, sie haben geschaut, was an den Wänden klebt und haben ganze Plakatwände abgerissen, mit quasi bloßen Händen und haben diese Teile zu Kunstwerken erklärt. Es wurde zu einem kollektiven Werk. Sie haben ja das, was auf den Plakatwänden passierte vorher, nicht selber gemacht. Somit haben sie ein Stück Realität aus dem öffentlichen Raum entrissen und in einen anderen Kontext gesetzt. Marcel Duchamp war der Erste, der x-beliebigen Dingen eine neue, kulturelle Aura verlieh, indem er sie ins Museum stellte. (Verträumte Saxophonmusik) (englisch:) Ich wollte Nichtkunst machen oder Unkunst. Ich wollte ein Unkünstler sein. Ein Rad auf einen Hocker geschraubt. Fertig ist das Ready Made. Der Schweizer Daniel Spörri führte diese Idee fort. (Verträumte Saxophonmusik) Spörri hat dann mit seinen Fallenbildern, also festgeklebten Dingen auf Tischen, an denen zuvor Menschen gemeinsam gegessen hatten, und quasi diese Tischplatte, die dann in die Senkrechte gedreht wurde, ja wirklich das gemacht, was der Inbegriff eines Ready Mades ist. Nämlich das ist also das Einfangen eines Momentes aus der Gegenwart, der eingefroren wird. (Lockere Musik) Das war mal ein Alfa Romeo. Und hier: eine Waschmaschine. Als Skulpturen hinterfragen sie die Industrie und Konsumkultur. Es geht ganz stark um diese Frage der Maschine, um Schrott, um das, was man auf Schrottplätzen findet, was eben nicht mehr genutzt wird, was aus dieser Möglichkeit des Nutzens rausgelassen wurde. Also auch eine Frage, mit der wir uns natürlich immer noch beschäftigen. Was passiert eigentlich mit unserem Schrott, mit dem Müll? Und was sagt dieser eigentlich über Gesellschaft aus? Er baute herrlich absurde Maschinen draus. Bei Jean Tinguely dient Technik bis heute der puren Heiterkeit. (Metallisches Klappern) Und er hat sich tatsächlich die Maschine in das Zentrum seines Werkes geholt. Und nicht eine Maschine, die etwas schafft, die etwas produziert, die produktiv durch die Bewegung etwas Neues entwickelt, wofür ja Maschinen eigentlich da sind, etwas antreiben. Sondern er hat unnütze Maschinen geschaffen. Die haben viel Witz in sich, aber keinen Nutzen. (Atmosphärische Musik) Wenn Niki de Saint Phalle auf Leinwände ballerte, feierte sie die Zerstörung als drastisches Kunst-Happening, verarbeitete so vielleicht auch frühe Missbrauchserfahrungen. (Atmosphärische Musik) (Musik wird jazziger und melodischer.) Yves Klein erfindet sein eigenes Blau und den Körper selbst als Pinsel. Hier ging es sehr stark um das Performative, also das Aktionistische. Und es ging darum, dass er als Künstler das Werk gar nicht mehr selber berührt. Das war eine Frau, die eingeschmiert mit blauer Farbe ihren Körper auf die Leinwand gepresst hat. Und wie sie das machen sollte, wurde eben vom Künstler noch bestimmt. Aber er hat selber nicht mehr Hand angelegt, was natürlich bahnbrechend war in den frühen 60er-Jahren. (Sanfte Loungemusik) Die rund 150 Werke schärfen den Blick für eine Epoche voller Humor und Provokation. Es geht in dieser Ausstellung um den neuen Realismus. Und auch, wenn der in den 60er-Jahren etabliert wurde, hat der viel mit unserer Gegenwart zu tun. Weil man kann durch diese Ausstellung gehen und daraus lernen, wie man auch in seiner eigenen Welt anders durch die Welt gehen kann. Es geht darum, den Alltag, die Gegenwart, Realität, noch mal aktiver als das zu erfassen, was es ist. Und das können wir aus dieser Ausstellung mitnehmen. (Loungemusik verklingt diffus.) (Rhythmische Musik) (Anhaltend-rhythmische Musik) Gangster überführen und dingfest machen. Falschgeld erkennen. Geheimcodes erstellen und knacken. Mit Technik von gestern und heute Spuren suchen. In die Tiefen der Cyberkriminalität abtauchen. All das geht jetzt im Technoseum in Mannheim. Eine interaktive Schau für Kinder und Erwachsene mit vielen Aha-Momenten. (Rhythmische Musik) Hätten Sie gewusst, dass Sanddiebstahl das dritt- lukrativste Verbrechen der Welt ist? Ich nicht. Nur Drogenhandel und Produktfälschungen bringen noch mehr Geld ein. Hobbydetektive können selbst Phantombilder erstellen, Spuren vom Tatort untersuchen und erleben, welche Möglichkeiten die Technik sowohl für Ermittler als auch für Täter schafft. Wer einen Tresor knacken will, muss einen Laserparcours überwinden. Eine Ausstellung mit Nervenkitzel und überraschenden Erkenntnissen. (Gespannte Klänge, entspannte Musik) Aus sieben Metern Höhe nimmt Rainer Zerback seine Motive ins Visier. Der Fotokünstler lässt den Betrachter von oben auf den Ort schauen. Dieser andere Blick macht den Kopf frei für eine eigene Interpretation des Gesehenen. Wie hier beim umstrittenen Erwin-Rommel-Denkmal in Heidenheim auf der Schwäbischen Alb. Es ist natürlich 'n Blick, den der normale Besucher von diesem Denkmal dann auch nicht hat. Und wie bei anderen Motiven, die ich von der Schwäbischen Alb aufnehme, hab ich mich eben auch hier für diesen Blickwinkel entschieden. Das ist eigentlich das durchgängige Gestaltungsprinzip der Serie. Metamorphosis - die Schwäbische Alb im Wandel, das ist der Titel seines Bildbands und einer Ausstellung in Albstadt. Rainer Zerback zeigt den Wandel vom landwirtschaftlich geprägten Gebiet zum modernen Wirtschaftsstandort. Ganz bewusst ohne Menschen, freie Sicht aufs Wesentliche. (Entspannte Musik) (Wabernde Klänge) (Leidenschaftlicher Gesang) ♪ What a difference a day makes. Ledisi Anibade Young mit einer kraftvollen Interpretation des Klassikers "What Difference a Day Makes". ♪ Skies above can't be stormy. Die mehrfach Grammy nominierte R'n'B-Sängerin aus den USA macht den Auftakt zur Konzertreihe Jazz im Brunnenhof in Trier. (Sanfte Jazzmusik) Inspirierende Musiknächte im Schatten der Porta Nigra mit Musikerinnen und Musikern aus aller Welt. ♪ ... when you find romance on your menu. (Wabernde Klänge, verträumte Klaviermusik) (Musik nimmt Fahrt auf.) Raus aus dem Alltag, rein ins Museum. Es sind alltägliche Gegenstände, denen der Künstler Michael Volkmer eine neue Bedeutung gibt. (Anhaltend-verträumte Musik) Mich reizt halt dieses Spannungsfeld zwischen Sein und Schein. Wie leicht kann man etwas Profanes ins Sakrale drehen oder kann das überhaupt so aufpimpen, dass das auf einmal wertvoll aussieht? Ich meine, bei der Kunst sagt man ja, das ist was Wertvolles, aber man kann es halt genauso gut aus wirklich ... letztlich aus Abfallmaterialien schaffen. Dieser kleine Moment zwischen Kunst und Kitsch, das sind so Dinge ... das ist spannend für mich einfach. Upcycling-Kunst, das ist seit mehr als 30 Jahren Volkmers Thema. Aktuell zu sehen im Museum Pfalzgalerie Kaiserslautern. Darunter diese Bodenarbeit aus gefärbten Lebensmittelverpackungen zu einer Miniaturstadt arrangiert. Schon fast ikonisch sind seine monumentalen Rosetten aus gefundenen Autoradkappen. Mit Elfenbeinfarbe lackiert und weißem Licht hinterlegt bekommt die Installation etwas Sakrales. Auch der Gekreuzigte begleitet den Künstler schon lange. Mal mit, mal ohne Kreuz. Alle wirken sie scheinbar gleich im kollektiven Ganzen. Eine Anspielung auf den Individualitätsverlust in unserer Gesellschaft. Ich erinnere mich so, meine Kommilitoninnen saßen da und haben Farbkreise gemalt. Und ich bin dann in den Keller gegangen und habe geschaut, was da so rumliegt. Und da lagen halt alte Matratzen rum, die ich dann aufgeschnitten habe und mit Beton ausgegossen. Übrigens habe ich da schon mal den ersten Gekreuzigten eingegossen. Und Sperrmüll war immer eine Riesen-Inspirationsquelle. Ich weiß nicht, warum. Das hat mich einfach interessiert, Dinge zu finden, umzubauen, was anderes draus zu machen. Die Arbeiten entstehen in seinem Atelier in Winnweiler, in der Nähe von Kaiserslautern. Das Spiel mit der Resteverwertung, hier altes Papier aus einer ehemaligen Druckerei, zieht sich bei Volkmer durch und begleitet ihn schon seit seiner Kindheit. (Entspannte Musik) Mein Opa hatte eine Kiste, die mich als Kind sehr fasziniert hat. Es war eine Klappkiste, eine große Zigarrenkiste. Wenn man die aufgeklappt hat, im Deckel war so ein Zettel. Da stand: "Gutes Werkzeug, halbe Arbeit." Aber die Kiste war voll mit verrosteten, krummen Nägeln. Das ist schon genau dieser Widerspruch, der eigentlich in meinen Arbeiten heute auftaucht. Und mein Opa hat die Nägel nicht weggeworfen. Der hat die dann gerade gekloppt und hat die wieder verwendet. Also ... vielleicht hat das mitgespielt. Michael Volkmer entwickelt sich zu einem gefragten Künstler, erhält viele Preise und Auszeichnungen. 2007 dann ein Tiefschlag. Brandstifter vernichten sein Atelier samt Kunstwerken. Ich habe mich nackt gefühlt, muss ich so sagen. Ich hatte ja nichts, was ich hätte ausstellen können. Mein Material, mein Fundus war weg, meine Werkzeuge. Es war wirklich ein sehr, sehr seltsames Gefühl. Ich habe auch kurz überlegt, ob ich überhaupt weitermachen soll. Es gibt immer noch viele Dinge, die ich vermisse, obwohl das schon so lange her ist. Eines der wenigen Überbleibsel des Brandanschlags hat es in die aktuelle Ausstellung geschafft. Ein Stück persönliche Geschichte. In der Videoarbeit von Michael Volkmer und seinem Künstlerkollegen Eric Carstensen spielen die beiden an ungewöhnlichen Orten wie auf dem Feld oder dem Soldatenfriedhof Schach. Ein Symbol für gesellschaftliche Machtverhältnisse. (Ruhige Musik) Fast vier Meter hoch ragt die Installation "The Spirits I Summoned", "Die Geister, die ich rief". Gesammelte, leere Schnapsflaschen auf maßgeschneiderten Sockeln. Aufgebaut zu einer Art Pyramide oder Kirchturm. Auch hier erscheint das Ungleiche gleich. (Sphärische Musik) Für diese Kästen beziehungsweise Sockeln, die jetzt auch immer auftauchen, habe ich halt eine spezielle Farbe gesucht, die jetzt keine psychologische Bedeutung hat. Und bin dann auf dieses Hellelfenbein oder Rentnerbeige gestoßen. Also eigentlich eine relativ spießige Farbe. Taxen, Krankenhäuser, die alten Telefone und so. Die habe ich dann verwendet. Das ist dann so in den Vordergrund gedreht. Das ist also praktisch selber die Arbeit geworden. Michael Volkmers Spiel mit Kontrasten. Zwischen Kunst und Kitsch, zwischen Sein und Schein. Er öffnet neue Perspektiven und inspiriert dazu, die Schönheit im Alltäglichen zu entdecken. (Pointierte Klänge) Vor langer, langer Zeit, als im Osten die Sonne aufging, begab es sich, dass die einzige Tochter von sechs Kindern sich auf den Weg in ein fremdes Land aufmachte, um ihre Neugier nach Wissen zu stillen. Oh, Mann das ist doch die Geschichte von meiner Mutter, also meine Geschichte. Lass doch bitte mich erzählen. Das hier ist kein Märchen aus "Tausend und einer Nacht". Das hier ist eine wahre Geschichte. Aber die Märchenform macht es erträglicher. (Orientalisch anmutender Gesang) (Musik verklingt.) (Zugdröhnen) Arbeitswillige Männer, sogenannte Gastarbeiter, strömen zum Aufbau des deutschen Wirtschaftswunders. Diesen Teil der Geschichte kennt man. Und die Gastarbeiterinnen? Kein Thema. Dabei arbeiten hier Anfang der 70er-Jahre rund 700.000 Frauen. Knapp ein Drittel aller ausländischen Arbeitskräfte. Viele von ihnen kommen allein. Sie wohnen in unwürdigen Unterkünften, schicken ihr Geld in die Heimat. Die Schauspielbühnen in Stuttgart bringen ihre Geschichte nun endlich ins Rampenlicht. "Die Optimistinnen" basiert auf dem gleichnamigen Roman der jungen Türkin Gün Tank. Inszeniert hat es Murat Yeginer als musikalisches Singspiel mit Witz und Tiefgang. (Leidenschaftlicher Gesang auf Türkisch) Ausländerproblematik wird immer mit schwer und gewichtig ... "Ist das nicht ein Drama, ist das nicht eine Katastrophe?" Die Katastrophe ist eh schon da, also brauche ich das nicht als Katastrophe zu multiplizieren. Ich wollte die Seite zeigen, WIE unsere Eltern mit solchen Sachen umgegangen sind. Viel leichter. Es war immer ein Liedchen auf den Lippen. Sie sangen immer irgendein Liedchen, und zwar aus der Heimat. Und das zu kombinieren, na ja, nichts liegt näher auf der Hand. Ich finde das künstlerisch toll zum einen, und zum anderen finde ich es toll, weil das so den Nagel auf den Kopf trifft. Weil meine Eltern, also auch meine Tanten, meine Onkels und die Nachbarn, man war ja eingewoben in so eine türkische Community, da war das Musikhören so essenziell. Die hatten manchmal keine Worte für ihre Zustände und für ihre Sehnsucht, für ihre Ängste und ihre Verluste. Was sie aber hatten, war die Musik. Und die Musik hat ihnen einen Raum geboten, und in diesem Raum konnten sie fühlen. (Wehmütiger, türkischer Gesang) Das Ensemble, in dem viele deutsch-türkische und andere Wurzeln haben, spielt wunderbar mit Klischees und Vorurteilen. Scht! Du bist nicht aus Anatolien! Nein, ich bin aus Istanbul. Sieht man sofort! (Lachen im Publikum) Woran? Du bist anders, dein Kleidungsstil! Damit wirst du in Europa sofort auffallen. Minirock ohne Kopftuch, so viel zur Frauenbewegung. Also das fand da schon statt. Die waren völlig autonom, völlig selbstständig. Und letztlich geht es ja in dem Stück darum, dass sie sogar die Leichtlohngruppe maßgeblich, dass sie daran beteiligt sind, dass die abgeschafft wurde, weil sie in einen wilden Streik gegangen sind. Meine Mütter! Es ist ungerecht, dass wir Frauen für die gleiche Arbeit weniger bekommen als die Männer. Leichtlohngruppe haben sie das genannt, um an uns zu verdienen. Das betrifft auch euch, die deutschen Frauen, und nicht nur die Gastarbeiterinnen. Was sie damals erkämpften, ist historisch. (Archivsprecher:) Heute Vormittag hatten sich die 2.000 in der Mehrzahl weiblichen Beschäftigten aus der Türkei und Griechenland geweigert, ihre Arbeit wieder aufzunehmen. Eine gestern Abend erzielte Einigung zwischen Betriebsrat und Unternehmensleitung war von der Belegschaft nicht akzeptiert worden. In Sprechchören blieben die etwa 600 auf dem Fabrikhof versammelten Arbeiterinnen bei ihrer Forderung nach einer Mark mehr pro Stunde. Das muss man sich mal vorstellen. Die kamen hierher und dann hatten sie den Mut, abgesehen von dem, was sie zurückgelassen haben. Meine Figur hat ihre Kinder zurückgelassen. Dann kommt man hierher und hat auch noch den unfassbaren Mut, den Mund aufzumachen, obwohl man die Sprache nicht beherrscht. Und dieses Stück ist deswegen für mich so eine Liebeserklärung an diese Frauen. (Energischer Protestgesang auf Türkisch) Einfach mitreißend. Die Geschichte der Gastarbeiterinnen. Ein Plädoyer für Gerechtigkeit, Solidarität und kulturelles Miteinander. Heute so aktuell wie damals. Das kommt auch beim Publikum an. (Temperamentvoller Gesang) (Frenetischer Applaus, Jubel) (Pointierte Klänge) SWR 2026