v1.0 . Es ist wirklich sehr beeindruckend. Sonst haben wir immer so kleine Sachen, jetzt haben wir mal richtig was Kapitales hier. Wir haben einen relativ großen Flur. Da hat es einen Platz, wo sie zur Wirkung kommt. Da sind wir in der Gründerzeit. Da hat man die imposanten Dinge in den Flur gestellt, damit jeder Besucher diesen "Wow"-Eindruck hatte, das machen Sie hier auch. - Und es wirkt immer noch. Untertitelung: BR 2026 KUNST + KREMPEL ist zu Besuch in Sulzbach-Rosenberg im gotischen Rathaus. Aus der Oberpfalz kommt auch Christel Stein. Sie wünscht sich Gewissheit. Ist ihr geerbtes Gemälde wirklich vom Maler Friedrich August von Kaulbach? Wenn es ein Kaulbach wäre, wissen Sie, was es wert wäre? Vielleicht 5000 oder etwas mehr. Ich weiß es nicht. Wir haben es nie schätzen lassen. Wir haben es auch nie restaurieren lassen. Es hängt so, wie wir es geerbt haben. Guten Abend. - Guten Abend. Ein neapolitanisches Mädchen oder eine Griechin? Was würden Sie sagen? - Ich weiß es nicht. Es ist im Familienbesitz seit über 100 Jahren. Es wurde immer als Kaulbach bezeichnet. Mehr weiß ich eigentlich nicht. Sagen Sie, gibt es dafür einen Anlass, Grund oder Beweis? Oder ist es nur Familientradition? Es ist 1920 das Hochzeitsgeschenk für Onkel und Tante meines Mannes gewesen und war bis 1978, bis zum Tod des letzten Verstorbenen, in der Familie des Onkels geblieben. Die Ehe war kinderlos. Mein Mann hat dieses Bild als Neffe geerbt. Seitdem ist es bei uns. - Okay. Wir sehen hier eine junge, schwarzhaarige Frau mit einem etwas sentimentalen Blick zur Seite. Mit einem Halstuch, das wahrscheinlich gewebt war. Fransentuch. Ein Fransentuch mit einer Kette aus Korallen. Mit einem Kopftuch, das mit Blumenschmuck versehen ist. Sehr dekorativ in Szene gesetzt durch dieses Weiß-Rot. Auch das Inkarnat vor einem neutralen Hintergrund. Vermutungen kann man überprüfen, ob es von Friedrich August Kaulbach ist, der in den Jahren 1873-74 zu einer seiner Italienreisen aufgebrochen ist. Aber diese Reise hat ihn dann bis nach Neapel geführt. Das helle Inkarnat und diese Art der weiten Leinenbluse des Fransentuchs lässt durchaus die Vermutung aufkommen, es könne sich um eine Neapolitanerin handeln. Wenn man etwas behauptet oder etwas annimmt, braucht es auch eine gewisse Konkurrenz. Und zwar eine Deckungsgleichheit zwischen dem Namen und der malerischen Qualität. Wir haben es mit einem sehr routinierten, vielleicht etwas schnell gemalten, aber sehr routinierten, in Wien würde man sagen, ganz feschen Bild zu tun, das aber für mich in meiner Kenntnis des Oeuvres von Friedrich Kaulbach irgendwie nicht in Deckung zu bringen ist. Die Malerei Kaulbachs in den 70er-, 80er-Jahren, sie erinnert ja sehr an Piloty, an Hans Makart, dieser Historismus, diese aus der Wahrnehmung entstandene körperliche Malerei, die, also die Körper malt, mit einer hochentwickelten Malkultur unterwegs ist. Und die hochentwickelte Malkultur fehlt mir hier ein bisschen. Schauen wir uns miteinander an die Korallen. Keiner dieser großen Maler um 1880 oder so was hätte die Korallen nur so gestrichelt. Er hätte sie körperlich wahrnehmbar gemacht. Schauen wir uns die Lippen an, die sind tadellos gemalt, aber mit einer gewissen Oberflächlichkeit, so wie auch das gesamte Gewand, ich zerstöre jetzt Illusionen, durchaus routiniert und verstehbar, aber nicht im Stile und nicht in der malerischen Qualität wie die Malerfürsten ist. Kaulbach war einer der großen Malerfürsten. Lenbach, Stuck, Kaulbach, die haben es wirklich draufgehabt. Außerdem glaube ich, dass dieses Bild schon im 20. Jahrhundert entstanden ist. Wahrscheinlich irgendwo 1910 oder 1920, vielleicht knapp vor der Hochzeit. Ich weiß nicht, ob der Rahmen jetzt original ist oder immer dabei war. Das war ein recht einfacher oder billiger Rahmen in der Zeit. Einen Kaulbach hätte man so nie gerahmt. Vielleicht ist er mal gewechselt worden. Aber insbesondere die malerische Qualität, die mir einfach fehlt. Und in der Tat, es stimmt schon, er hat ja auch davon gesprochen: Von Kaulbach gibt es sehr viele Frauenköpfe. Immer wieder in Variationen. Die auch typisierend sind, Römerin, Florentiner usw. Immer mit Geschichte. Inhaltlich würde es gut passen, dass man sagt, es wäre ein Mädchen aus Neapel oder eine Griechin. Das wäre inhaltlich durchaus verstehbar. Aber es geht nicht zusammen. - Geht nicht zusammen. Und mir tut es leid, weil ich würde Ihnen eine Freude machen wollen, wenn wir ein Genreporträt von diesem bedeutenden Maler hier haben. Aber ich schaffe es nicht, wir schaffen es nicht. Mir ist es wichtig zu wissen, was es ist. Denn eines bleibt: Es ist ja ein außerordentlich dekoratives Bild. Ein Bild, das ein Zimmer schmückt. Sie haben es wahrscheinlich auch hängen? - Ja. Bitte nicht wegnehmen, nur weil es jetzt kein Kaulbach ist, sondern das Wissen mitnehmen, dass es doch etwas später ist, dass es kein Kaulbach ist, dass es aber trotzdem ein recht gutes Bild ist. Find ich auch. Daher der Preis ist jetzt ein bisschen obsolet, weil ein anonymes Bild, von dem man wirklich keinen Maler zuordnen kann, wird wahrscheinlich 500, 800 Euro. Wenn das ein Original vom Kaulbach ist, ist das dann 10.000, 12.000, aber es ist es nicht. Also nicht traurig sein. - Nein. Ich wünsche Ihnen trotzdem ein gutes Heimkommen und ein gutes Zusammenleben mit der jetzt entzauberten jungen Dame. Das werde ich haben. Ich danke für Ihre Expertise. Sehen Sie das Bild jetzt mit anderen Augen? Ich habe mich immer über dieses Bild gefreut und freue mich auch jetzt. Ich habe die Gewissheit, wem ich es schenke. Und das ist mir sehr wichtig gewesen. Groß und eindrucksvoll ist die Vase von Rosi Fuchs und ihrem Mann aus Baden-Württemberg. Doch seit einiger Zeit verblüht die Begeisterung aus den Kindheitstagen. Da fand ich die super. Ich dachte, das ist ein edles Stück. Wahrscheinlich aus einem Schloss, also irgendwas Besonderes. Man hat sich ja mal als Prinzessin fühlen wollen und war ganz stolz auf diese Vase. Und als Sie sie dann geerbt haben? Da waren wir auch zuerst stolz. Und jetzt hat man sich ein bisschen sattgesehen. Passt nicht mehr zu unserem Einrichtungsstil, muss man offen sagen. Grüß Gott. - Grüß Gott. Das ist so beeindruckend. Da verschlägt es einem glatt die Sprache. Es war ja gar nicht so leicht, die hierher zu bekommen. Und wo kommen Sie her? Wo kommt das Stück her? Also wir kommen aus dem Landkreis Ravensburg. Hoßkirch heißt der Ort. Und die Vase, ja ... Wir wissen den Ursprung nicht wirklich. Also, seitdem ich ein Kind bin, ist diese Vase in unserer Familie gewesen. Mein Vater hat sie geschenkt bekommen, erworben. Ich kann nicht mehr fragen, er ist leider verstorben. Er hat sie vor vielen, vielen Jahren uns geschenkt. Ganz wunderbar. Hast du irgendwas da drinnen entdeckt? Es ist wirklich sehr beeindruckend, muss ich sagen. Ich bin froh, sonst haben wir immer kleine Sachen. Und jetzt haben wir mal richtig was Kapitales. Ja, was haben wir denn? Wir haben einen Unterbau. Der war aber auch schon immer dabei, solange Sie sich erinnern können? Ja. - Der Unterbau mit Schmiedeeisen. Und da ist ein keramisches Gefäß hineingesetzt, das auch richtig in eine Spitze zuläuft. Und dann geht es so auseinander, eine Amphore. Und auf der Schulter sind dann so plastische Blumen, Rosen. Es gibt Stiefmütterchen und die Begonienblätter. Stimmt. - Genau. Und hier ist ein Loch auf dieser Seite mit Klebespuren. Da war also noch was. Sie haben das nicht mehr, das Stück? - Nein. Dann haben wir noch zwei schöne Henkel bis oben. Und ich habe reingeguckt. Und jetzt machen wir einen Trick. Da können wir mal gucken, es ist nämlich innen auch noch eine Signatur. Genau. - Genau. Und Sie können es auswendig, was es heißt, oder? - Nein. Unsere Zuschauer sehen es seitenverkehrt. Es heißt "Pericalli". - Pericalli. Das ganze Objekt ist aus Steingut. Also ein keramisches Objekt, ein heller Scherben, ein heller Ton. Das ist so der Grundton, der dann eine sehr glänzende Bleiglasur hat. Und dann eben auch diese plastisch modellierten Stücke. Wie verhält sich das jetzt, diese Blumen und die Gefäßform? Es ist eine klassische Amphore. Amphoren waren ja aus Ton. Es waren Vorratsgefäße. Und immer, wenn man zwei Henkel hat, also die waren ja auch oft sehr groß, da mussten wirklich dann zwei Leute tragen. Und so eine stark verjüngte Form, die unten in einer Spitze ausläuft, dann redet man von einer Amphore. Und das waren Vorratsgefäße, in denen Öle, Wein, Oliven, Datteln gelagert und vor allem transportiert wurden. Denn in den Schiffen z.B. wurden diese Amphoren ganz eng aneinander gestapelt. Also es sind ganz tolle Einweggefäße am Ende auch gewesen. Denn die wurden für den Transport, für die Lagerung des Gutes produziert und hinterher entsorgt. Also man findet z.B. auch die Scherben von antiken Amphoren als Schüttungen oder auch teilweise als Straßenbeläge etc. Das war also wiederverwertbar. Sehr nachhaltig alles. Hier sind wir nicht in der Antike. Für mich ist das eine Diskrepanz. Die Vase, wenn ich sie so sehe, könnte ich mir vorstellen, die ist gründerzeitlich um 1900, 1920. So die Gesamterscheinung habe ich das Gefühl, sie ist jünger. Und vor allem, wer hat sie gemacht? - Das Gefühl habe ich auch. Zumal ja die Farbigkeit hier unten mit diesen dunklen Flecken und dann ins Hellblaue gehend, die spielt schon damit, dass sie in einem schmiedeeisenen Gestell ist. Also man könnte ja auch annehmen, sie war mal in einem Holzgestell und das ist dann später dazu gemacht worden. Aber es ist so aufeinander abgestimmt, dass ich davon ausgehe, dass es stimmt. Jetzt haben wir diese Marke Pericalli oder diese Signatur. Die sagt mir gar nichts. Aber die Art und Weise, wie das gemalt ist, ist sehr charakteristisch für Manufakturen oder für Hersteller, sagen wir eher so, in der Umgebung von Florenz. Da gibt es die verrücktesten Namen oder vielfältigsten Namen, weil jeder hat so seine Produktionen gehabt. Sie haben nicht in der Familie einen Trattoria-Besitzer mal gehabt? Nein. Weil ich bin da um 1900, das will mir nicht so ganz gefallen, auch in dieser Kombination der Blumen usw. Ich bin da für mich wirklich in den 1950er-Jahren. Also ein Stück, das natürlich spielt mit der antiken Amphorenform, das mit diesem ganzen Reichtum spielt, als Dekorationsstück in einem gehobenen Restaurant, oder wie Sie sagen, auch in einem Schloss. Das macht sich gut beim Eingang. Ein reines Dekorationsstück, voll mit dieser "Italianità", und dann auch diese Art und Weise, wie hier das Blau aufgetragen ist, dieses Wolkige. Wären wir um 1900, wäre es entweder eine konkretere Steinimitation z.B. oder es wäre gleichmäßiger gemacht. Hier ist es wirklich so auf einen schnellen, das soll jetzt nicht negativ klingen, aber sehr wirkungsvollen Effekt aus. Und das ist für mich so richtig so aufblühende 50er, 60er: "O sole mio." Man hat richtig Freude, wenn man die sieht. Es ist ja was, was Freude bereitet. Schon beeindruckend. Nicht nur beeindruckend, sondern auch kein depressives Stück, sondern im Gegenteil. Das Schmiedeeisen passt in diese Zeit. Das ist auf keinen Fall ein Schmiedeeisen um 1900. Nein, das denke ich nicht. Noch ein Indiz fiel mir jetzt auf, an dieser Stelle, und auch hier. Das ist keine richtige Vergoldung. Wäre es wirklich Gründerzeit, wäre es eine Mixtionvergoldung, eine richtige Blattvergoldung. Nicht gemalt. - Also mit einem Lack als Unterlage. Dann bleibt das auch dauerhaft halten. Man sieht es hier, es ist verstrichen, es ist eine reine Bronze. Das kennen wir von diesen Flaschenhaltern etc. aus dieser Zeit oder von Raumteilen und so. Das ist voll aus dieser Zeit, finde ich wunderbar. Dann kannst du noch kurz nachdenken, indem Sie uns nämlich noch verraten, wo sie bei Ihnen steht. - Ja, im Flur. Also wir haben einen relativ großen Flur, und da hat sie Platz, wo sie zur Wirkung kommt. Da sind wir wieder in der Gründerzeit. Da hat man die imposanten Dinge in den Flur gestellt, damit jeder Besucher schon mal diesen "Wow"-Eindruck hatte. Das machen Sie hier. - Und es wirkt immer noch. Aber Gründerzeit ist es nicht. Vom Preis, da sehen Sie mich jetzt absolut schwitzen. Was soll man dazu sagen? Es ist immer so viel, wie ein Liebhaber bereit ist, dafür zu zahlen. Es hat einen Defekt, der Schauwerk ist grandios. Bauchgefühl fängt bei mir jetzt ab 500 Euro an. Die handwerkliche Arbeit ist bei Weitem nicht zu bezahlen. Und Sie werden das ja als Empfang für Ihre Freunde und Gäste immer noch dort stehen behalten, insofern ist das egal. Genau. Vielen Dank. - Haben Sie weiterhin Freude damit. Wir dachten, Sie sei älter, so ein bisschen aus dem Schloss. Wäre schon schön gewesen, ein bisschen was Royales. Aber was Italienisches ist auch schön. Jetzt wird sie auf jeden Fall mit nach Hause genommen. Dann müssen wir im Familienrat nochmals drüber reden, wie es weitergeht. Elke Seebauer und ihre Tochter bringen zwei Stühle mit, die sie zu Hause im fränkischen Hersbruck stehen haben. Dort wurde auch schon viel über ihre Geschichte spekuliert. Sie wirken im Gegensatz zu anderen Stühlen niedriger. Dementsprechend fragen wir uns: Waren das Esszimmerstühle oder eine Esszimmergarnitur oder doch eher in einem Kaminzimmer, in einem Salon, wo man einen Aperitif getrunken hat vielleicht? Die Funktion, die damalige, würde uns auch sehr interessieren. Schönen guten Tag. - Guten Tag. Sie sind zu zweit und bringen zwei Stücke mit, warum? Was hat es damit auf sich? Die Stühle sind von meinem verstorbenen Mann. Die sind schon seit langer Zeit in der Familie. Dass das Biedermeier-Stühle sind, das wissen wir. Aber uns hätte interessiert: Ist es frühes Biedermeier, ist es späteres Biedermeier? Das kann man recht genau sagen. Diese Stühle kommen relativ spät vor.. Also nach dem Wiener Kongress 1815 kommt eine solche Stuhlserie im Steinernen Saal von Schloss Nymphenburg vor. Es sind Pelten, sog. Amazonenschilde, die, um 90° gedreht, eine Amazone vor ihrem linken Arm hielt, um Schläge, Pfeile, Stiche abzuwehren. Der neue Gewinn ist die äußerste Schlichtheit, dass hier nicht geschnitzt, gedreht, nicht mit Appliken gearbeitet wird, sondern der Stuhl hat nur Fläche. Diese Fläche braucht man, um die Schönheit des Furniers zu zeigen, was nicht unterbrochen ist, sondern sich präsentiert. Wie viele haben Sie davon? - Sechs Stück. Dann sehen Sie da wunderbar, wie jeder dieser Stühle ein anderes Furnierbild zeigt. Das war in den Jahren um 1816, '17, '18 herum eine neue Manie. Man entwickelte aus Tintenflecken, die man zusammenfaltete, wieder aufklappte, klappsymmetrische Vorstellungen von einem Furnier, was genauso in der Schnittkante aufgeklappt wird. Deswegen sind sich links und rechts äußerst ähnlich. Wenn Sie frühes Biedermeier sagen, interessiert uns auch das Design. Was war das Neue? Es waren keine Schreinermöbel, sondern Entwerfermöbel. Der Entwerfer der Stühle in Malmaison hieß Charles Percier. Der Hofarchitekt in München hieß Andreas Gärtner und stammte aus einer Architektenfamilie. Die haben Formen entworfen, die der Schreiner auch ausführen konnte. Ich will das, was dieser Entwurf jetzt heißt, mal technisch untersetzen. Diese Schlichtheit hier ist ausgesprochen schwer herzustellen. Das Design muss so gebaut sein, dass es der technischen Idee entgegenkommt, dass das furnierte Stühle sind. Hier gibt es eine Stelle, da sehen wir das wunderbar. Das ist der Rinderknochenleim oder Rinderhautleim, mit dem damals mit ausgekochten Knochen und Häuten seit Jahrhunderten Holz auf Holz geleimt wurde. Wenn Sie sich die Kante ansehen, sehen Sie, das sind ungefähr zwei Millimeter. Dieses zwei Millimeter dicke Material überzieht fast den gesamten Stuhl. Deshalb lässt sich hier diese wunderbare gespiegelte Nussbaumfläche entfalten. Die Grundidee, in das Wesen der Dinge vorzudringen, indem ich das Innere von einem Baum zeige, geht natürlich mit Furnier viel besser als nur mit Massivholz. Das ist die allerhöchste Raffinesse der Schlichtheit, die gewollte, absichtsvolle. Das zeichnet das frühe Biedermeier so aus und macht es zu einem Stil, der 100 Jahre später noch mal kopiert wurde. Diese Idee der Modernität und der Schlichtheit, die hier drinsteckt, die versteht kein Mensch, wenn man diese Bespannung betrachtet. Die hat damit nichts zu tun, das war niemals so. Die verunstaltet fast jedes Biedermeiermöbel. Weil Polsterer in der Gewerbeschule lernen, das sei der klassische Biedermeierstoff. Das sieht man öfter. Aber in Wirklichkeit ist es ein Kleiderstoff für Frauen von 1780. Durch ein dummes Missverständnis hat man das angewandt. Stühle, die Originalbezüge haben, die sieht man auf Innenraumaquarellen und in Resten auf Originalen. Das waren einfache, gewebte Wollstoffe mit einer plastischen Kordel abgespannt. Und dann ist das Stück stimmig in beiden Materialien. Die standen nicht einzeln, sondern in Gruppen und waren für Gruppenereignisse gedacht. Und sie gliedern sich immer im Dutzend, im halben Dutzend, immer gerade und im 12er-Takt. Wir haben uns auch gefragt, ob das Esszimmerstühle sind. Aber Sie sagen: "zu besonderen Anlässen". Das kann auch die große Tafel sein, gar keine Frage. Und sie standen normalerweise, so wie im 18. Jahrhundert, wieder an der Wand. Aber sie waren für größere, gesellige Zusammenkünfte gedacht. Die schlechte Nachricht von vor zwei Jahren noch wäre gewesen, dass die überhaupt keinen Wert mehr haben. Die gute Nachricht ist, dass die Werte wieder steigen. Und ich würde für die sechs Stücke in dem Zustand, den sie jetzt haben, mit solchen Schäden, wo die Furniere anfangen abzufallen, etwas um die 4000 bis 5000 Euro rechnen, für die sechs. Ich glaub, das wird noch mal beträchtlich steigen. Die Stücke haben es verdient. Viel Vergnügen damit. Großartige Entdeckung. - Vielen Dank. Da haben wir nichts falsch gemacht. - Sie haben alles richtig gemacht. Ich fand es auch spannend zu lernen, dass diese Stühle auch oft aufgereiht standen und nur zu großen Anlässen benutzt worden sind. Und so machen wir das eigentlich zu Hause. Und so machen wir das auch weiter. Ich würde das gerne so weitermachen. Ursula Sommer lebt im nicht weit entfernten Kümmersbruck. Seit vielen Jahren besitzt sie diese Kette, ohne mehr darüber zu wissen. Heute soll sich das endlich ändern. Ich habe es so lange in meinem Besitz und habe es nie einem Juwelier gezeigt. Aber für mich ist es einfach interessant: Wo kommt das her? Ich glaube, es hat mehr ideellen Wert als materiellen. 100 Euro. Das sage ich aus dem Bauch heraus. Ich habe aber keine Ahnung. Grüß Gott. - Grüß Gott. Ein prachtvolles Stück haben Sie uns gebracht. Sehr hübsch, sehr dekorativ. Was hat es damit auf sich? Es ist vererbt worden. Und ich weiß leider nichts dazu. Ich kann Ihnen also keine Herkunft sagen. Meine Großeltern, Urgroßeltern und noch weiter kommen aus der Nürnberger Gegend. Ein Urgroßvater ist nach Helsinki ausgewandert. Ob es mit Finnland etwas zu tun hat? Ich glaube, wir können Ihnen helfen. - Das ist schön. Denn das Stichwort Nürnberg ist ganz wichtig. Wenn einer Ihrer Großväter oder Urgroßväter aus der Gegend kam, dann sind wir schon am richtigen Ort. Ach ja, schön. Denn diese Art Schmuck wird tatsächlich vor allen Dingen oder fast ausschließlich in Nürnberg gefertigt. Es stammt vermutlich aus dem Anfang des 19. Jahrhunderts, so 1830 herum, da wurden diese Dinge gefertigt. Es gibt auch Vergleichsstücke im Germanischen Museum in Nürnberg. Von daher sind wir da ganz nah dran. Es ist wirklich eine exzellente Arbeit. Möglicherweise ist es verändert worden, kann das sein? Von einem Goldschmied wurde es repariert, da es kaputt war. Also, dann haben wir bestimmte Dinge, die dieses Nürnberg richtig machen. D.h., es ist ein sog. Träubles-Schmuck. Das nennt sich nach Trauben, die Sie sehen. Wenn wir an den kleinen Anhänger hier unten rangehen, dann sehen wir schon einen kleinen Haufen mit Kügelchen, die tatsächlich stilisierte Trauben sein können. Wenn wir ein Stückchen höher gehen, in diesem Bereich des Mittelteils, sehen wir jeweils in den Ecken kleine Trauben tatsächlich, die hier gefertigt sind. Trauben sind natürlich auch ein Liebessymbol, ein Fruchtbarkeitssymbol, ein Symbol für Wohlstand. Aber es ist tatsächlich eine Schmuckform, die sehr gerne in Nürnberg gefertigt wurde. Und eben auch in dieser Form zusammengesetzt. Besonders sind natürlich auch die flachen Steine. Man sieht ja, es handelt sich um opake Steine, die grün sind, mit einer sehr starken Maserung. Es handelt sich um sog. Jaspis-Steine, die zur Quarzgruppe gehören. Ein sehr beliebter Stein, ein sehr alter Stein, der schon sehr lange bekannt war. Von der Härte her zwischen 6,5 und 7 nach der Mohs'sche Härteskala. D.h., das ist eine Ritzhärte. Der härtere Stein ritzt immer den weicheren. Das härteste Material, das wir kennen, ist der Diamant mit einer Härtestufe von 10. Also liegen wir bei 6,5 schon in einem recht hohen Bereich. Wir sehen, dass hier verschiedene farbgebende Substanzen, die im Gestein vorgekommen sind, dieses geflammte, diese Maserung ausmacht. Der Schliff ist an sich sehr schön, sehr glatt. Der Stein an sich ist immer opak, also nicht durchscheinend. Aber wenn wir das einmal umdrehen, sehen wir nicht nur die Verarbeitung noch, sondern wir sehen auch, dass die Rückseite der Steine etwas bombiert ist. Es hat so eine Wölbung hier, wo die Maserung, die vorne auch schon sichtbar ist, sich noch einmal fortsetzt. Ja, das ist ein sehr schönes Stück, ein sehr schöner Erhaltungszustand. Wir gehen davon aus, dass es Silber ist, wahrscheinlich vergoldet ist oder überhaupt ein ganz unedles Metall ist. Da keine Punzierung sichtbar ist, müsste man das noch einmal gesondert untersuchen. Das ändert aber nichts an der Wertigkeit oder an der schönen Fertigkeit des Stückes. Gerade weil es so eine feine Filigranarbeit ist, könnte man untersuchen, ob es nicht doch aus Gold gefertigt ist. Üblicherweise sind diese Stücke silbervergoldet oder eben, wie Astrid sagte, ein anderes Material. Aber es ist sicherlich ein sehr prachtvolles und wertvolles Stück, das sicherlich nur zu sehr besonderen Anlässen getragen wurde, in der Familie wahrscheinlich zu Hochzeiten oder zu großen Geburtstagen oder Festivitäten. Das ist kein alltäglicher Schmuck, den man immer anzieht. Möglicherweise gibt es da noch Armbänder dazu. Das kann durchaus sein. Oder gab es dazu, dass es wie eine kleine Parure oder so eine Halbparure vorhanden war. Aber insgesamt ist es wirklich ein hervorragender Erhaltungszustand. Und es ist natürlich für Sammler so ein historisches Stück. Da es ja schon, wie erwähnt wurde, aus dem 19. Jahrhundert stammt wahrscheinlich. Auch in dem Erhaltungszustand hat es natürlich auch einen besonderen Wert. Ich würde so ein Stück eben eher im Bereich der Volkskunst ansiedeln als jetzt im reinen Schmuckbereich, um sozusagen alles einzufangen, was das Stück hergibt. Und würde hier einen Startpreis um die 1000 Euro bei einer Auktion durchaus ansetzen. Aber, wie gesagt, schon mit dem Gedanken für einen Sammler. Das ist interessant. Das kann natürlich auch noch höher gehen, gerade weil es so sehr filigran und historisch ist und so nahezu vollständig. Ich bedanke mich recht herzlich für die Expertise. Danke schön. - Wiedersehen. Ich bin ganz erstaunt über den Wert vor allem und, dass es wirklich so honoriert wurde von den Expertinnen. Ich habe das nicht für möglich gehalten und ich freue mich. KUNST + KREMPEL kommt vom 9. bis 10. Oktober ins Kloster Wiblingen in Ulm. Haben Sie ein Porzellanobjekt daheim? Oder ein besonderes Kunstwerk auf Papier? Wollen Sie mehr erfahren über Schmuck oder Silbergegenstände? Oder ein besonderes Gemälde? Untertitelung: BR 2026