v1.0 . Ich sehe gar keinen Widerspruch darin, dass es Urban Art heißt, aber nicht nur auf der Straße stattfindet. Sondern eben auch in Galerien, Museen etc. Das ist doch nur eine Bereicherung. *düstere Musik* *Hip-Hop-Musik* Mein bürgerlicher Name ist Jasmin Siddiqui. Aber ich habe mir selbst den Namen Hera gegeben. Hera ist die höchste Göttin des Olymp. Es war genau der Ego-Boost, den ich brauchte. Weil wenn man Jasmin heißt, kommt man sich sehr klein vor. Jasmin ist eine gefällige, kleine Blume, die überall wächst. Das war mir nicht stark genug. In Gänze heiße ich jetzt sogar Hera von Herakut. Nicht, weil ich eine Gräfin bin. Sondern weil ich 16 Jahre lang im Duo Herakut gearbeitet habe. Deswegen bin ich Hera von Herakut. In den letzten 21 Jahren habe ich die ganze Welt bereist. Ich habe immer gesagt, die Wände kommen nicht zu mir, also muss ich da hin, wo die Wände sind. Wenn ich mir die Weltkarte anschaue, bin ich richtig stolz. Ein klarer Motor für mein künstlerisches Schaffen ist ... Wut. Wut über soziale Ungerechtigkeit. Ich habe darunter so gelitten, dass sich das sehr früh schon in eine handfeste Depression entwickelt hat. Ich wollte aber diese Negativität nicht mehr gegen mich selbst richten und habe sie dann rausgemalt. *rockige Musik* Das ist auch das, warum ich die Dose so liebe. Die steht auch unter Druck, da ist Gas drin. Ich fühle, wenn man mit einem Fat Cap eine Message an die Wand schreit, ist das sehr befreiend. Das habe ich gebraucht. Das Mural von heute ist ... Das sind meine Gedanken, meine Auseinandersetzung zu den Protesten im Iran. Ehrlich gesagt bin ich superemotional bei diesem Bild. Mich beschäftigt das unglaublich, die Unterdrückung der Frauen. Und wie wenig Selbstbestimmung Frauen in so weiten Teilen der Welt haben. *Hip-Hop-Musik* ♪ Ich bin endlich, bin endlich allein ♪ Ich bin endlich daheim ♪ Kletter immer weiter ♪ Auf die Leiter mit Sprossen aus Messern Es gibt natürlich auch ein paar Themen, die, wie ich finde, nicht unbedingt im öffentlichen Raum besprochen werden müssen. Das sind Themen, die Negatives triggern. Da braucht man ein bestimmtes Mindset dafür. Eine bestimmte Ruhe und Assistenz dann auch durch eine gewisse Räumlichkeit. Das kann man der Öffentlichkeit nicht antun einfach so, finde ich. Dann ist die Galerie genau der richtige Zusammenhang. *elektronische Musik* Mein Name ist Yasha Young, ich bin Innovationsmanager und Innovationskurator. Ich habe Museen gebaut, ich habe Biennalen kuratiert und ins Leben gerufen. Was mich besonders freut und was ich toll finde, ist zu sehen, wie jetzt auch in Deutschland in den letzten 10 Jahren dieses Genre Einzug hält in Galerien, Museen und Institutionen, die sich damit entweder komplett auseinandersetzen oder Teilbereiche dafür geöffnet haben. Es gibt z.B.die Urban Shit Gallery, es gibt natürlich Urban Nation, aber auch das Muca. Man kann in den letzten Jahren eine Institutionalisierung feststellen, die sich meines Erachtens mit dem Begriff Urban Art zusammenfassen lässt. Ich glaube, das liegt daran, dass Graffiti ein so großes Phänomen geworden ist, sich überall so sehr verbreitet hat. Als 2001-2004 Banksy entdeckt wurde und die großen Auktionshäuser gemerkt haben, da ist Geld zu holen und der Mainstream und die traditionellen Märkte wollten gerne Teil dieser sehr radikalen jungen Bewegung werden. Für die Stadt ist der Erhalt von Urban Art auch wichtig. Es ist für viele Menschen ein Anziehungspunkt. Wir wollen damit auch international werben, dass wir diese Künstler in der Stadt haben. Wir schaffen feste Anlaufpunkte mit einer klaren Etablierung, mit festen Institutionen wie Urban Nation. *ruhige Musik* Die Urban Nation war das erste staatlich geförderte Museum für Urban Contemporary Art. Zu sagen, das Museum ist ein Museum für Urban Contemporary Art, kein Museum für Streetart oder Graffiti. Streetart gehört auf die Straße, und so auch Graffiti. Aber diese Künstler, arbeiten auch in Studios, sind Künstler, die in Galerien ausstellen. Es gab für diese Künstler, da sie meist nicht vom akademischen Background kommen, oft keinen Platz im Galerien. Es gab wenige Galerien, die überhaupt sich rangetraut haben, Graffiti zu zeigen oder Streetart. Dadurch haben die Künstler nie eine Plattform bekommen. *elektronische Musik* Hinter dem Urban Nation steht eine Stiftung, die heißt Stiftung Berliner Leben. Hinter dieser Stiftung steht ein Immobilienunternehmen. Eine der Berliner Baugenossenschaften, die Gewobag. Was ich kritisch sehe am Konzept der Urban Nation ist, dass es eine Institution geworden ist, ein Museum ist, die Streetart und Graffiti, die Kunstformen sind, die erst mal ungefragt auf der Straße stattfinden, plötzlich auf ein anderes Niveau heben. Der illegale Aspekt, aber auch der unkuratierte, ungefragte und große Teile der Protestkultur gehen da verloren. Es gibt natürlich die Möglichkeit, den Protest, der eigentlich in der illegalen Aktivität besteht, zu transportieren in einen legalen Rahmen wie eine Galerie. Oder an eine kuratierte Hauswand. Das ist natürlich möglich. Den Kunstmarkt gab es schon immer. Durch das Label Urban Art ist da ein Twist reingekommen, dass das Vermarktungspotenzial, was unserer Kunst zu eigen ist, auch erkannt wird. Solche Entwicklungen sind eher neu, aber man erkennt daran, wie sehr das Ganze im Mainstream angekommen ist. *elektronische Musik* Ich bin Oliver Bartelds, hab 1995 mit dem Writing angefangen. Über diese Aktivität bin ich jetzt mit meiner Ehefrau zum Festivalmacher geworden. Wir dürfen mit einem Team aus Ehrenamtlichen das FamOS-Festival organisieren. Writing als Wurzel von Urban-Art- Festivals nach meinem Verständnis ist eine Kultur des Do It Yourself. In den 80ern gab es noch nichts. Man hat selber alles aufgebaut. Wir haben eigene Medien gehabt, Magazine, haben Videos produziert. Galerien wollten kein Writing ausstellen. Ein Urban-Art-Festival ist die logische Fortsetzung von dieser Do-It-Yourself-Kultur. *rhythmische Musik* In diesem Jahr ist das FamOS-Festival auf 4 Gebäuden für die Außenarbeiten aktiv. Wir haben einen ehemaligen Drogeriemarkt leerstehen. Das hier ist das Parkhaus des ehemaligen Ypso-Gebäudes. Hinter mir das Gebäude der Osnabrücker Sonntagszeitung, wo auch unser Ausstellungsbetrieb sein wird. Zum Parkhaus gehört auch das Ypso-Hauptgebäude. Der Abriss ist besiegelt, eine Investorengruppe wird das Quartier in einen postmodernen Mehrzweckbau verwandeln. Bis es so weit ist, haben wir diesen Teil zur Verfügung gestellt bekommen. Weil das der Schandfleck von Osnabrück war, haben wir das zu unserem Claim gemacht. Wir verwandeln den Schandfleck in ein Schmuckstück. *chillige Musik* Willkommen zum FamOS-Festival 2022. Wir versuchen möglichst immer, Bezug außen-innen herzustellen. Darum möglichst die Arbeiten oder die Räume in Korrespondenz zueinander. *elektronische Musik* Wir sind im Raum von Yeye Weller. Das ist ein Künstlerduo aus Münster. Klassisch Korrespondenz innen-außen. Die Wand ist hier unten. Party all night long ist deren Motto. *rhythmische Musik* Mir persönlich ist immer wichtig, das ist die Osnabrücker Note, eingefärbt durch meine Biografie, dass, wenn man agiert und eine Urban-Art-Veranstaltung organisiert, dass immer auch der Ursprungsmythos, wir kommen aus dem Writing, spürbar ist. Dieses wir sind Kulturbotschafter*innen und wissen um unsere gemeinsame Geschichte. Wir kriegen jetzt die Reputation für was, was wir schon vor 30 Jahren gemacht haben. Damals war das verpönt. Da können alle die, die aus dem Writing kommen und das weiterentwickelt haben, stolz drauf sein, dass wir als Community so was gemeinsam auf die Beine stellen. *treibende Musik* Es gibt die verschiedensten Methoden anzufangen. Manche Artists bereiten alles vor mit einem Raster, andere nutzen Projektoren. Aber für mich ist das Schönste am Arbeiten der Freestyle-Prozess, in dem mein Bild sich mir offenbart. Natürlich muss man ... dann auch in der Lage sein, etwas Unperfektes zu akzeptieren. Eines meiner Mantras ist: There is something better than perfection. Ich kümmere mich gerade um einen wichtigen Teil im Bild. Das ist das Auge. Mein Trick im öffentlichen Raum ist, dass ich Bilder male mit einem Blick, der den Betrachter anschaut. Weil der Betrachter das registriert, ich werde angeschaut. Von diesem Bild. Ich nutze dieses Prinzip. Und male große Augen, die Kontakt zum Betrachter suchen. *Hip-Hop-Musik* *Hip-Hop-Musik* Das ist Jörnie von den Dixons. Ich bin Kimo, auch von den Dixons. Die Dixons sind ein Künstlerkollektiv aus Berlin. Wir machen uns zur Aufgabe, dass wir uns schön mit Kunst und mit unserem Medium Culture und Streetart beschäftigen. Da kam eine E-Mail im Dezember 2017. Da stand drin, es gibt am Kudamm ein riesengroßes Gebäude, 5 Etagen, über 100 Räume, Tausende von Quadratmetern Fläche. Wir hatten gerade Winter, draußen war nicht viel zu malen. Wir haben uns das Ding unter den Nagel gerissen. Es kamen immer mehr Leute dazu. Auf einmal waren 175 Künstler am Start, alle Räume waren geil gestaltet. Es ging nicht um den einzelnen Künstler, sondern um das Kollektiv. Deshalb haben wir es The Haus genannt. Ja, das war so ein ... so ein Durchbruch für die Urban-Art-Szene. Weil wir viel Aufmerksamkeit bekommen haben weltweit. *elektronische Musik* Das Geile an The Haus war die Endgültigkeit. Das war wirklich berechenbar zu Ende. Man konnte keine Fotos machen. Man konnte hingehen und es sich anschauen. Aber man wusste genau, das Ding wird abgerissen, weil es das Konzept war. Und immer ist bei Graffiti und Streetart, es ist temporär. *Hip-Hop-Musik* In der Urban-Art-Szene hat sich leider das fortgesetzt, was auch in der restlichen Welt der Kunst so ist. Und zwar dass Männer ein anderes Standing haben, höher bezahlt werden. Es gibt mehr männliche Galeristen. Die Museumslandschaft ist sehr männlich. Das hat die Urban-Art-Szene erst mal komplett übernommen. Als ich gestartet habe, war es wirklich eine reine Sausage Party. So nennt man das, glaube ich. Sorry, nichts gegen Männer, aber es war zu viel. Der einzige Weg, um zum gerechten Genderverhältnis zu kommen, ist durch bewusste Kuration. Es ist die Herausforderung, wenn du so ein Festival machst, ich möchte schon gerne mehr Frauen hier sehen, die traditionell im Writing unterrepräsentiert sind. Im Prinzip haben alle Kurator*innen die Verantwortung, eine gewisse Heterogenität mitzunehmen, die in der Szene besteht, und diese darzustellen. Eine Diversität auch darzustellen. Das sind Kurator*innen von Galerien genau wie Kurator*innen von Urban-Art-Festivals. Es ist deren Aufgabe, nicht nur die paar bekannten männlichen Namen sich zu nehmen und sie als Aushängeschilder irgendwo zu verbreiten. Sondern zu schauen, wie sieht die Szene aus? *lockere Musik* Richtig, richtig nice war dieses Jahr die Kuration der Millerntor Gallery. Da wird das Fußballstadion in Hamburg von innen und außen bemalt. In den letzten 9 Jahren waren es vorrangig männliche Artists. Als ich jetzt kuratieren durfte, habe ich nur Frauen eingeladen. Mit der Erklärung, es ist sowieso genug Testosteron in einem Fußballstadion, von daher könnt ihr das ab. Und es war großartig. Ich finde es bewundernswert, wenn sich ein Künstler interessiert dafür, Kurator zu sein. Das sieht man auch an diesem Urban-Art-Hotel, das Hera kuratiert hat, auch mit internationalen Künstlern. *majestätische Musik* Da drüben ist das Wahrzeichen Bayreuths. Das Wagner-Festspielhaus. UNESCO-Welterbe, aber ein absolut exklusiver Club der Hochkultur in Deutschland. Klassische Musik etc. Aber eben auch mit der problematischen Geschichte Wagners. Ein Verein, der für mich sowas von geschlossene Türen und Exklusivität hat. Fast auf Augenhöhe befinden wir uns jetzt aber auf dem Maisel-Areal. Das ist genauso alt, hat also auch genauso viel Geschichte, ist aber ein Ort für Inklusivität. Mit einer großen Bandbreite von Künstler*innen, mit verschiedenen Stilen und der Internationalität können wir Kultur schaffen. Was ich mir von dem Projekt erträumte, ist, dass wir einer so pittoresken Stadt wie Bayreuth ins nächste Jahrhundert verhelfen. Dass alle mitgenommen werden können in was Fortschritt und Internationalität, Globalität bedeutet. Austausch, Netzwerken. Eigentlich müssten wir ein riesiges Katapult bauen und Farbbomben auf dem Grünen Hügel schießen, damit er ein bunter Hügel wird. *düstere Musik* Was das Malen von Murals angeht, finde ich, ist es eine tolle Art, Begegnungsräume zu schaffen. Schon im Prozess der Ausführung. Du kommst mit Menschen ganz anders ins Gespräch. Das finde ich eine unfassbare Bereicherung vom Stadtbild, so einen Begegnungsraum zu schaffen. Wenn man über Murals spricht, spricht man über Kunst im öffentlichen Raum an der Wand. Mural ist auf Englisch einfach ein Wandgemälde. Dann gibt es die Murales, politische Wandgemälde. Das sind ursprünglich von der Regierung beauftragte Bilder an öffentlichen Gebäuden. Das hat erst mal nichts mit dem Aspekt des Privateigentums zu tun. Es hat oft einen sozialen und kollektiven Zweck. Z.B.in den 1920ern in Mexiko, wo ein Großteil der Bevölkerung analphabetisch war, wurden durch Murals Geschichten und Erzählungen weitergegeben. Also erlebbar gemacht für den Teil der Bevölkerung, der Schrift nicht verstanden hat. Oder aber auch im New York der 70er und heute noch, Murals in Form von Erinnerungen an Persönlichkeiten usw. *düstere Musik* Wir beschäftigen uns mit Wandbildern. Ben Wagin ist einer der Ersten, der in Berlin mal ein Wandbild gemalt hat. 1975 hat Ben Wagin den Weltbaum am S-Bahnhof Tiergarten gemalt. Mit 6 anderen Künstlern, die aus der ganzen Welt kamen. Es war das erste in ganz Deutschland. So, Bildungsfernsehen, Digga. Es ist das erste Mural, was es in Berlin gab. - Siehste. Wurde leider nicht unter Denkmal gesetzt. Und wurde leider zugebaut von einer großen Immobilienfirma. Das hat uns nicht gefallen. Wir haben uns mit Ben Wagin getroffen und mit ihm besprochen, wie wir das Ding retten können. Leider war der Immobilienbesitzer nicht mehr bereit, sein Bauvorhaben zurückzuziehen. Dann haben wir das Wandbild genommen und sind mit vielen Berliner Künstlern mit dem Wandbild umgezogen. Direkt an einen Spielplatz, der dem Bezirk gehört. Es wird also nie wieder zugebaut. Der ist jetzt für immer da, der Weltbaum von Ben Wagin. *rhythmische Musik* Mein Name ist Ania Pilipenko und ich bin von Beruf Juristin und Kulturmanagerin. Vor 16 Jahren bin ich nach Berlin gekommen und habe mich in die urbane Kultur dieser Stadt verliebt. Jetzt mache ich eine digitale Plattform für urbane Kunst, die heißt Metawalls. Unsere Plattform Metawalls hat verschiedene Repräsentanzen. Wir haben dort eine Online-Galerie und zeigen auch NFTs, die wir auf dem Markt anbieten. Die Vision von Metawalls ist, den Künstlern den Raum zu geben, was sozusagen die Limitierungen vom physischen Raum aufhebt. Hier in den Städten wissen wir, dass überall in der Welt die Räume immer knapper werden, auch die Räume für die Kunst. Ich bin Ju Schnee und bin Künstlerin im Bereich digitaler Kunst, aber auch analoge Kunst in Kombination. *treibende Musik* In Stuttgart kürzlich hatte ich einen interaktiven Skulpturenpark. Es war also nicht nur Kunst zum Ansehen, sondern man konnte auch interagieren, indem man die Skulpturen berührt, sich ihnen nähert. Dadurch wurden sie größer, haben sich gedreht. In meinem Fall benutze ich digitale Kunst als Augmented Reality. Ich verknüpfe haptische Werke wie z.B. Malereien oder auch Plätze an öffentlichen Orten. Auf dem Handy spielt sich dann die digitale Komponente ab. Meine Skulpturen sind inspiriert vom menschlichen Körper und imitieren gewisse Positionen, natürlich sehr abstrakt. Manche sehen Körperteile, manche sehen Ausscheidungen. Und manche sehen einfach Würmchen. Es ist ganz unterschiedlich. In Stuttgart bei der digitalen AR-Installation hatte ich eine Skulptur, die ist sehr abstrakt. Da haben ganz viele einen Darm gesehen, also Gedärme. Aber das ist okay. Durch Augmented Realität verändert sich die Wahrnehmung. Man geht vielleicht immer durch die gleiche Straße. Plötzlich gibt es da ein Kunstwerk zu sehen. Dadurch dass man es mit dem Handy erkundet, sieht man vielleicht die Häuser dahinter. Das Innovative ist, dass man Teil von der Kunst sein kann. Dass man nicht nur Zuschauer ist. Was ich spannend finde im öffentlichen Raum, ist, dass man die Architektur, die Stadt aus einem anderen Blickwinkel erfährt. Hier sieht man an einem Beispiel, ein Kunstwerk in der Stadt. Wir haben es digitalisiert und ins Metaversum gebracht. Dort können die Besucher die Geschichte vom Bild sehen. Und auch die NFTs kaufen. Wir helfen den Künstlern, ihre Kunst zu vermarkten und auf eine neue Art das Geld zu verdienen. Dieses Bild ist das erste Collective Ownership NFT. Wir haben eine Technologie entwickelt, mit der wir digitale Versionen von diesem Bild in fast 700 Teile fraktionalisiert haben. Somit können sich ganz viele Menschen, Fans und Unterstützer beteiligen und jeweils ein Stück von diesem Bild erwerben. Ich habe z.B.diesen Teil von den Lippen mir gekauft. Diese Kunst möchte nicht im Besitz einer einzelnen Person sein, sondern erreichbar für viele. Wenn wir über die Streetart reden, muss man dazusagen, diese Kunst verschwindet. Es gibt keine Institution, die darauf achtet, dass die Streetart unbedingt immortalisiert wird und archiviert wird und die Geschichte erhalten bleibt. Es gibt das Urban Nation-Museum und ein paar andere Institutionen. Aber es ist ganz, ganz wenig im Vergleich zur üblichen Kunstszene. Da sehen wir Metaversum, NFTs und digitale Räume als wunderbare Möglichkeit, diese Kunst auch zu schützen. Auch wenn sie physisch nicht existiert. Da sehen wir digitale Räume nicht im Widerspruch, sondern eher als Hilfe für mehr Inklusion für die Kunst. *Hip-Hop-Musik* Am meisten am Malprozess macht mir der Moment Spaß, an dem ich die Botschaft an die Wand schreibe. Im Grunde geht es mir nur um die Botschaft und das geschriebene Wort. Aber wir Menschen sind so faul, wenn es darum geht, Texte zu lesen. Ich male die Figur nur, damit die Leute sich hingezogen fühlen zu dieser Wand, kurz verweilen und sich dann fragen, worum geht es hier eigentlich? Dann lesen sie die Botschaft. When a blessing becomes a curse. Das ist der Titel dieser Wand. Aber auch meine Auseinandersetzung mit dem Thema. Die iranischen Protestlerinnen, die sich reihenweise ihre Zöpfe abschneiden, um wieder selbst mächtig über ihren Körper zu werden und durch dieses Abschneiden sich von einem Zeitalter zu trennen. Und ein neues Kapitel zu beginnen. Dann gehört dazu, dass man sich von etwas, das man sehr liebt, auch trennt, und das einem sehr viel wert ist. Wenn man es selbst entscheidet, ist es sehr stark. *schwere Musik* Copyright MDR 2022 UT: ARD Text im Auftrag des MDR