v1.0 *** Hunderte Filme und Filmschaffende wurden seit der ersten Oscar-Verleihung 1929 ausgezeichnet. Einige von ihnen haben die Filmgeschichte verändert. Im Amerika der 1930er-Jahre herrschte strikte Rassentrennung. Überall wurden Schwarze benachteiligt. Im Kino durften sie, wenn überhaupt, nur oben auf den billigen Plätzen sitzen. Unter diesen Vorzeichen entstand 1939 "Vom Winde verweht", einer der erfolgreichsten und umstrittensten Filme aller Zeiten. Die Oscar-Verleihung im darauffolgenden Jahr sorgte für eine Sensation. Hattie McDaniel wurde als erste Afroamerikanerin mit einem Oscar ausgezeichnet. Das wurde als Zeichen gegen Rassismus gefeiert. (englisch) Ich hoffe zutiefst, ich werde meiner Herkunft und der Filmindustrie immer eine Ehre sein. Ich bin viel zu überwältigt, um Ihnen zu beschreiben, wie es mir gerade geht. Ich möchte einfach Danke sagen. Doch durch den Saal der Feier verlief eine unsichtbare Grenze. (englisch) Hattie McDaniel, die im Film die Mammy spielt, gewann den Oscar als beste Nebendarstellerin. Bei der Zeremonie aber hatte man Hattie nicht weit vorne, sondern im hinteren Teil des Saales platziert. Damals wie heute wurde McDaniel vom schwarzen Publikum für ihre Darstellung der Mammy kritisiert. Die Rolle bediene Stereotype und beschönige die Unterdrückung durch Weiße. (englisch) Die Heldenfiguren sind v.a. die Soldaten der konföderierten Südstaaten, die für die Sklaverei kämpften. Der Film verteidigt eine bestimmte Lebensweise und mythologisiert sie. Nach "Vom Winde verweht" wurde McDaniel selbst zum Klischee. In zahlreichen Filmen spielte sie immer wieder sehr ähnliche Rollen. (englisch) Die schwarze Community kritisierte sie später dafür, dass sie Rollen annahm, in denen sie weißen Charakteren unterstellt war, etwa die einer Hausangestellten. McDaniel ließ das nicht auf sich sitzen. Immer wieder antwortete sie ihren Kritikern, dass sie lieber ein Dienstmädchen spiele, als selbst eins zu sein. Eine Pionierin in vielerlei Hinsicht: Sie war die erste schwarze Frau, die in den USA im Radio sang, und die erste schwarze Moderatorin einer nationalen Radioshow. Als erste schwarze Oscar-Preisträgerin ebnete sie einer neuen Generation schwarzer Schauspieler den Weg nach Hollywood. Nur zwei Jahre nach Hattie McDaniels historischen Sieg erschuf ein anderer Pionier ein Meisterwerk, das das amerikanische Kino für immer verändern sollte. Als Orson Welles "Citizen Kane" drehte, war er zwar erst 25, hatte aber die Kunstwelt bereits zweimal auf den Kopf gestellt. 1936 sorgte seine Adaption von Shakespeares "Macbeth" mit einem schwarzen Ensemble am Broadway für Furore. Und sein Radiohörspiel nach H.G. Wells Roman "Der Krieg der Welten" war so realistisch inszeniert, dass zahlreiche Zuhörer in Panik gerieten. In seinem Hollywood-Debüt erzählte Welles die turbulente Lebensgeschichte des fiktiven Zeitungsmagnaten Charles Foster Kane. Dieser eine Film reichte aus, um Welles einen festen Platz in der Filmgeschichte zu sichern und einen Ehrenplatz im Oscar-Museum in Los Angeles. Durch Welles einzigartigen künstlerischen Ansatz veränderte "Citizen Kane" die Optik, den Sound, ja die gesamte Stimmung von Kinofilmen. Welles wollte die vollständige Kontrolle über seine Produktion, alles sollte in seinen Händen bleiben. Er spielte die Hauptrolle des Kane sogar selbst, vom 20-jährigen Emporkömmling bis zum greisen Einsiedler. (englisch) Er war Autor, Regisseur, Produzent und Star des Films, so gesehen der perfekte Strippenzieher. Während der Dreharbeiten lernte Welles das Filmemachen. Er orientierte sich stark am deutschen expressionistischen Film und nutzte dunkle Schatten und verzerrende Perspektiven, um seine Charaktere herauszuarbeiten. Er leistete Pionierarbeit im Bereich der Tiefenschärfe, rückte nahe als auch weit entfernte Figuren in den Fokus. (englisch) Hallo Jedehia. (englisch) Es ist eine Kombination vieler spezieller und faszinierender Techniken, die so zum ersten Mal alle in einem Film zusammenkommen. Auf diese Weise ist es eine Art Meisterklasse, in der die Höhepunkte der größten Panachrome-Filme der 1940er-Jahre und des expressionistischen deutschen Kinos zusammenkommen. Und das alles in den Händen eines kreativen Genies. Doch vor allem die Rolle von Welles als machtvollem Regisseur war damals bahnbrechend und machte ihn für viele zum Vorbild. (englisch) Er war für den Film verantwortlich. Ich denke, das war die größte Leistung. Da war jemand, der kein Studio-Boss war, der aber die totale Kontrolle über die Produktion hatte. Eine Art kreativer Autor, der Durchhaltevermögen und Relevanz von Orson Welles mitbrachte. Im Nachhinein ist dieser Effekt viel prägender als die besondere Ästhetik des Films. In den folgenden Jahren seiner Karriere kämpfte Welles vergeblich dafür, seine Ideen noch einmal so frei umsetzen zu können. Währenddessen schrieb ein anderer Filmemacher eine Liebesgeschichte, die am Ende Hollywoods berüchtigte "Schwarze Liste" zu Fall brachte. Der Oscar für eine Filmromanze trug mit dazu bei, die Rote Angst in den USA zu beenden. (englisch) Die Rote Angst war die vor dem Kommunismus in den USA. Obwohl die kommunistische Partei wenige Anhänger hatte, klein und nie in der Position war, eine politische Relevanz zu entwickeln. In den 1950er-Jahren, zu Beginn des Kalten Krieges, geriet Hollywood unter Beschuss wegen angeblicher kommunistischer Umtriebe. Der rechtsgerichtete Senator Joseph McCarthy behauptete, Hollywood sei voller kommunistischer Sympathisanten. (englisch) Er fing an, nach Kommunisten zu suchen. Die Film-Industrie war ein einfacher Ort, um sie zu finden. Denn dort wurden auch Filme und Geschichten geschrieben, die als potenziell propagandistisch oder pro-kommunistisch ausgelegt werden konnten. Zahlreiche Autoren und Regisseure wurden vorgeladen. Zehn von ihnen, die "Hollywood Ten", verweigerten die Aussage. Der berühmteste von ihnen: Star-Autor Dalton Trumbo. (englisch) Sie weigerten sich, die Fragen des Ausschusses zu beantworten. Auch Namen von Kollegen zu nennen, die an kommunistischen Treffen möglicherweise teilgenommen hatten. Daraufhin setzte man diese zehn auf eine schwarze Liste. Trotz Protesten mussten die "Hollywood Ten" ins Gefängnis und wurden von ihren Studios gefeuert. Insgesamt standen mehr als 300 Schauspieler, Autoren und Regisseure auf Hollywoods "Schwarzer Liste" und durften nicht beschäftigt werden. Doch Dalton Trumbo schrieb trotzdem weiter und veröffentlichte seine Drehbücher unter Pseudonym. Das Buch zu "Roman Holiday", zu Deutsch "Ein Herz und eine Krone", schrieb er als Ian McLellan Hunter. In einer Szene des Films macht sich Trumbo über diese Notlüge lustig. Der "Mund der Wahrheit" beißt Lügnern die Hände ab. (beide) Ah! 1954 wurde Trumbos Drehbuch mit einem Oscar ausgezeichnet. Es war der erste Schlag gegen Hollywoods "Schwarze Liste". Sechs Jahre später schrieb Trumbo das Drehbuch zu "Spartacus" unter seinem eigenen Namen. (englisch) Damit war der Damm gebrochen und viele Autoren, die auf der "Schwarzen Liste" standen, konnten wieder arbeiten, aber nicht alle. Viele fanden ein tragisches Ende. Viele haben nie wieder gearbeitet. Das endgültige Ende der Zensur in Hollywood kam erst Anfang der 1970er-Jahre. Auch dank eines nicht jugendfreien Dramas, das als bester Film ausgezeichnet wurde. Szenen wie diese machten damals "Asphalt-Cowboy" umstritten. Jon Voight als Stricher Joe Buck, der in einem Pornokino Oralsex mit einem Mann hat. Sexszenen waren in Hollywood zuvor jahrzehntelang tabu. Grundlage dafür war der "Hays Code", eine freiwillige Selbstbeschränkung der Filmstudios, gewisse moralische Verpflichtungen zu erfüllen. (englisch) Würde man das heute ernst nehmen, würden keine Filme gedreht werden. So sollte nicht geflucht werden. Man sollte auch keine Nacktheit zeigen. Homosexualität war streng verboten. Es fiel unter die Kategorie Unrecht, Böses oder Sünde. (englisch) Mit dem "Hays Code" gab es keine filmische Darstellung von Homosexualität mehr. "Asphalt-Cowboy" war einer der ersten Filme, die nach der Abschaffung des "Hays Code" 1968 gedreht wurden. Auch wenn der Film Homosexualität nicht explizit thematisiert, verstanden viele die Beziehung zwischen Joe Buck und seinem Zuhälter Rizzo als queer. Einen Monat nach der Premiere kam es zum "Stonewall-Aufstand", dem Wendepunkt im Kampf der LGBTQ-Bewegung für Gleichbehandlung. Die Welt war im Wandel, doch nicht jeder verstand den Zeitgeist. Der Oscar für den besten Schauspieler ging nicht an "Asphalt-Cowboy", sondern an den bekennenden Schwulen-Hasser John Wayne. Unser nächster Oscar-Preisträger hat Hollywoods Konvention nicht bloß erschüttert, er hat sie regelrecht gesprengt. Die Oscar-Nacht 1995 war ein Kräftemessen zwischen zwei ikonischen US-Filmen. Der eine 60 Millionen Dollar teures Wohlfühl-Kino über den amerikanischen Traum. Der andere ein Indie-Film voller Gewaltszenen, Kostenpunkt weniger als zehn Millionen Dollar. (englisch) "Forrest Gump" ist ein sehr amerikanischer Film, sowohl von der Thematik als auch von der Machart. "Pulp Fiction" hingegen ist schrill und verrückt und spiegelt einfach nur Tarantinos Gedankenwelt wider. "Pulp Fiction" kam auf sieben Nominierungen, "Forrest Gump" auf 13. Der erste Oscar, der für das beste Drehbuch, ging an "Pulp Fiction". (englisch) Da das der einzige Preis ist, den ich heute gewinne, dachte ich mir, sag viel, werde alles los, aber das mache ich nicht, danke! (englisch) Der Oscar geht an ... Der Rest des Abends gehörte? "Forrest Gump". - "Forrest Gump". "Forrest Gump". - "Forrest Gump". Aber nicht "Forrest Gump", sondern "Pulp Fiction" inspirierte eine ganze Generation von Filmemachern. Regisseure nicht nur in den USA kopierten Tarantinos Kombination aus ausgefeilten Dialogen, gewalttätigen Actionszenen, Popkultur-Referenzen und seinem collage-artigen Erzählstil. (englisch) "Pulp Fiction" hatte einen großen Einfluss, nicht nur bezüglich Regiestil und Ästhetik, sondern auch im Bereich des Erzählens der Geschichte. Den Zuschauern wurde hier plötzlich eine Menge zugemutet, viel mehr als bei einer linearen Erzählung in drei Akten. Unser nächster Gewinner brach mit einer unglaublich altmodisch anmutenden 80-jährigen Oscar-Tradition. Die Oscar-Verleihung 2010 war David gegen Goliath: Der Champion: "Avatar", der umsatzstärkste Film aller Zeiten. Der Herausforderer: ein Low-Budget-Kriegsfilm. Eine Kraftprobe zwischen "The Hurt Locker"-Regisseurin Catherine Bigelow und dem "Avatar"-Regisseur James Cameron, ihrem Ex-Mann. Hinzu kam eine riesige Geschlechter-Ungerechtigkeit. Unter den 400 Filmschaffenden, die bis dahin jemals für die beste Regie nominiert waren, waren gerade mal drei Frauen und keine einzige Gewinnerin. (englisch) Da war Jane Campion, die für "Das Piano" nominiert war. Lina Wertmüller, die erst spät in ihrer Karriere nominiert wurde, nämlich 1975, und Sofia Coppola. Die Tatsache, dass ich alle in zehn Sekunden nennen kann, zeigt, das reicht nicht. Bigelows Auseinandersetzung mit dem männlich geprägten Genre des Kriegsfilms kam bei der Academy gut an. "The Hurt Locker" ist ein spannender Action-Thriller, der einen kritischen Blick auf Kriege und Konflikte wirft. Er wurde mit sechs Oscars ausgezeichnet. Catherine Bigelow erhielt den Preis für die beste Regie. (englisch) Es war damals radikal, dass sie den Regie-Preis bekam. Auch noch für einen Kriegsfilm, der keine große Produktion war und an den Kinokassen keinen großen Erfolg hatte. (englisch) Es war großartig, dass sie gewonnen hat und gleichzeitig ihrem Ex-Mann James Cameron den Preis weggeschnappt hat, köstlich! 2021 wurde Chloe Zhao als beste Regisseurin ausgezeichnet, Jane Campion im Jahr danach. (englisch) Innerhalb von etwas mehr als einem Jahrzehnt haben drei Regisseurinnen den Preis für die beste Regie gewonnen. Nachdem es vorher keine einzige gab. Das ist großartig. Aber es gibt immer noch viel zu tun. Laut einer Studie wurden von Frauen 2022 nur neun Prozent der umsatzstärksten Filme gedreht. Die wohl größte Oscar-Überraschung gab es 2017, ein Bühnendrama, das Geschichte schrieb. (englisch) Ich war im Newsroom der "L.A. Times". Es war schockierend. Es war aufregend. Es war erschreckend. Es war der krasseste Moment der Academy-Awards der letzten Jahre. Zugegeben, die Verwechslung war lustig. Aber die große Geschichte des Abends war "Moonlight", der erste schwule schwarze Film, der einen Oscar gewann. (englisch) Danke! (englisch) Das war aufregend für mich. "Moonlight" war ein Film, den ich gesehen und über den ich mit allen meinen Freunden und Kollegen sprach. Von dem jeder, den ich kenne, jeder in meinem Alter begeistert war. Zwei Jahre vor "Moonlight" hatte die Aktivistin April Rain die Kampagne #OscarsSoWhite gestartet, um gegen den Ausschluss ethnischer Minderheiten zu protestieren. Bei der Oscar-Verleihung 2015 waren alle nominierten Schauspieler und Schauspielerinnen weiß. (englisch) Das kann nicht sein! Wenn sie sagen, die besten 20 Künstler des Jahres sind ausnahmslos weiß, dann sehen sie nicht all die Filme, die sie sich anschauen sollten. "Moonlight" war alles, was #OscarsSoWhite gefordert hatte. Eine selbstbewusste schwarze LGBTQ-Plus-Geschichte, die an den Rand der Gesellschaft gedrängte Stimmen hörbar machte. (englisch) Es ist schwieriger, ein Problem zu ignorieren, nachdem es einmal artikuliert wurde. Das war das Wichtigste an #OscarsSoWhite und spielte gleichzeitig "Moonlight" in die Karten. 2017 gewannen fünf schwarze Filmschaffende einen Oscar. Rekordverdächtig! Unter dem Druck von Rain und einigen schwarzen Regisseuren nahm die Academy hunderte neuer, nicht weißer Mitglieder auf. #OscarsNotQuiteSoWhite, nicht ganz so weiß. Zwei Jahre nach "Moonlight" beendeten die Oscars ihren Widerstand gegen die digitalen Veränderungen in der Kinowelt, öffneten sich der Welt des Streamings. ♪ Ta-dum. Lange war dieses Geräusch Oscar-Verantwortlichen verhasst. Sie versuchten, Produktionen von Streaming-Diensten von der Verleihung fernzuhalten. Der erste Netflix-Film, "Beasts of No Nation", war zwar ein Kritiker-Erfolg, wurde von der Academy jedoch abgelehnt. ♪ Ta-dum. "Mudbound" von Dee Rees kam bei den Kritikern ebenfalls gut an, erhielt vier Oscar-Nominierungen, gewann aber keinen einzigen. (englisch) Ein Großteil dieses Widerstandes hatte wohl mit der generellen Skepsis gegenüber Netflix-Produktionen zu tun. Ist es prestige-trächtig? Entspricht es unseren hohen Standards? Ein wenig liegt es vielleicht auch an den Berührungsängsten zwischen dem Internet und traditionellen Institutionen. Man dachte, eine Produktion für das Internet müsse von geringerer Qualität sein als eine aus traditionellen Kulturinstitutionen. Und dann kam "Roma". Alles an Alfonso Cuarons Netflix-Film, die Schwarz-Weiß-Optik, die langen Kamerafahrten, die weitwinkligen Aufnahmen schrie Kino. Selbst Netflix-Hasser liebten ihn. (englisch) Der Oscar geht an ... (beide) "Roma"! "Roma" gewann drei Oscars, darunter den für die beste Regie für Alfonso Cuaron. Nur vier Jahre später gewann "Coda", eine Eigenproduktion des Streaming-Dienstes Apple TV, den Preis für den besten Film. Die Oscars hatten das Streaming lieben gelernt. Unsere nächste Oscar-Gewinnerin hat den Kulturen Afrikas den Weg nach Hollywood geebnet. *Zuri sprich die Sprache Xhosa.* Vor "Black Panther" waren afrikanische Kulturen bei den Oscars nahezu unsichtbar. (englisch) Der Oscar geht an ... "Black Panther", Ruth E. Carter! Der Oscar für das beste Kostümbild ging 2019 an Ruth E. Carter. Mit der kulturellen Vielfalt Afrikas hatte Carter sich jahrzehntelang künstlerisch auseinandergesetzt. (englisch) Mein Leben fühlt sich an wie eine Reise, die die Geschichte der Schwarzen wieder aufleben lässt. Und die die Kultur der schwarzen Amerikaner und der afrikanischen Diaspora präsentiert. "Black Panther" steht genau für das, woran ich bereits mein Berufsleben lang arbeite. Carter arbeitete als Kostümdesignerin für Regisseur Spike Lee, stattete Malcolm X und "Do the Right Thing" aus. Dabei ließ sie sich von afrikanischen und afroamerikanischen Entwürfen aus Vergangenheit und Gegenwart inspirieren. (englisch) Ich stamme aus einer Familie, die sich für schwarzen Nationalismus immer begeistert hat. Wir wussten schon ein wenig über unsere Herkunft, aber es war eher allgemeiner Art. "Black Panther" ermöglichte es mir, tiefer in die Geschichte des Himba-Stammes und der Tuareg einzutauchen. Zu verstehen, was Nord- und Südafrika bedeutet. Das hat uns dazu inspiriert, die fiktiven Stämme von Wakanda zu erschaffen. "Black Panther" ist voller Bezüge zu realen afrikanischen Traditionen. Königin Ramondas Krone ist einem Kopfschmuck der Zulu nachempfunden. Die roten Rüstungen und Speere des Maasai-Stammes inspirierten die Kostüme der Kriegerinnen der Dora Milaje. Die Halsketten von Prinzessin Shuri ähneln dem zeremoniellen Schmuck des südafrikanischen Ndebele-Stammes. "Black Panther" passte perfekt zum populärer werdenden Afrofuturismus. Einer Kunstbewegung, die Utopien über die afrikanische Kultur befreit vom Kolonialismus entwickelt. (englisch) Als "Black Panther" herauskam, gab es bereits eine Sensibilität für die panafrikanische Diaspora. Sie war Teil der Popkultur und wurde bereits in vielerlei Hinsicht gefeiert. "Black Panther" wurde einer der erfolgreichsten Filme aller Zeiten. (englisch) Ich fing an zu arbeiten in den 80er- und 90er-Jahren. Da hatte ich das Gefühl, dass es für schwarze Filme kein Budget gab. Dass sie es nicht an die Kinokassen schafften. Dieses Denken ist widerlegt. Mit "Black Panther" haben wir Hollywood das Gegenteil bewiesen. Unser letzter Oscar-Preisträger brach mit der wohl ältesten Tradition Hollywoods. Produktionen, die als beste Filme ausgezeichnet wurden, spielten zwar auch in Marokko, in Rom und sogar in China. Aber 91 Jahre lang war jeder dieser Filme englischsprachig. Zwar gab es nicht englischsprachige Filmemacher, die das Kino prägten. Etwa Federico Fellini, Akira Kurosawa, Ingrid Bergman oder Ozu Yasujiro, doch einen Oscar gewannen sie nie. Zu groß die Hürde ihrer Muttersprache. Erst ein koreanischer Film schaffte es, 2020 die Oscar-Verleihung global zu machen, "Parasite" von Bong Joon Ho. (englisch) Der Oscar geht an ... "Parasite"! (englisch) Dass eine koreanischsprachige Produktion den Preis für den besten Film gewonnen hat, war ein Schock für mich, ein großartiger Schock. Bong Joon Ho erzählt in "Parasite" eine sehr koreanische Geschichte. Es geht um zwei Familien, eine arme, eine reiche und ihre gegenseitige schmarotzerhafte Beziehung. Erzählt mit der stilistischen Souveränität eines Quentin Tarantino oder Alfred Hitchcock. Bong Joon Ho hat Hollywood mit seinen eigenen Waffen geschlagen. (englisch) Dieser Film hat mehr als 53 Millionen Dollar an den US-Kinokassen eingespielt und mehr als 263 Millionen Dollar weltweit. Was für eine Erfolgsgeschichte! Ich hoffe, dass die Leute nicht vergessen, was den besten Film des Jahres ausmacht. Das ist nicht unbedingt das, was die Studios sagen. Mit "Parasite" öffneten sich die Oscars endlich der ganzen weiten Welt des Kinos. (englisch) Es macht mich glücklich. Es war das erste Mal in 92 Jahren, dass ein nicht englischsprachiger Film gewann. Es war ein langer Weg und "Parasite" war derjenige, der es möglich machte. Wir sollten den Sieg von "Parasite" nicht als seltsamen Einzelfall sehen. Sondern als Leuchtfeuer, Vorbote dessen, was noch passieren könnte. Nach mehr als 90 Jahren Oscars ist die Bühne nun hoffentlich frei für alle Geschichten, die noch erzählt werden müssen. Copyright MDR 2025 UT: Schikowsky