v1.0 . Diese Frau war so beeindruckend schön. Und sie hatte solche Augen und so eine Aura ... dass ich das Gefühl hab, sie ist irgendwie in mich reingeschlüpft. Ich habe einen Moment - ich bin reingelaufen, ich hab John gesehen, und es war so ein ... Moment in meinem Leben. Das war's. - Der hat Ihr Leben verändert. Ich wusste, mein Leben wird nie wieder sein, wie es früher war. (dänisch:) Er war ein fantastischer Artist. Und darüber hinaus eben ein phänomenaler Clown. (Belebte Musik) (Die Musik endet.) (Ruhige, jazzige Musik) (Dramatische Musik) Die Pas de deux in John Crankos Inszenierungen sind außergewöhnlich dicht, kunstvoll und virtuos. Dafür ist er berühmt. (Leidenschaftliche Musik) Geboren wird Cranko 1927 im südafrikanischen Rustenburg. Er studiert Ballett in Johannesburg. In Kapstadt choreografiert er sein erstes Stück und zieht nach London. (Lebhafte Musik) 1961 folgt schließlich sein Umzug nach Stuttgart, wo er Ballettmeister am Staatstheater wird. Mit der Premiere von "Romeo und Julia" feiert er 1962 hier seinen ersten großen Erfolg. Bis heute gehört dieser Klassiker zum Repertoire in Stuttgart. Dann der weltweite Durchbruch. 1969 tanzt das Ensemble in New York das Stück "Onegin" Cranko und seine Tänzer werden als Wunder euphorisch gefeiert. Kaum jemand kann sich dem Zauber auf der Bühne entziehen. (Dramatische Musik) In Stuttgart baut er dann die erste, eigenständige Ballettkompanie Deutschlands auf. Dafür versammelt er junge Ausnahme-Tänzer um sich wie Birgit Keil, Egon Madsen, Richard Cragun und die großartige Marcia Haydée. (Ruhige Musik) Das Ensemble tourt durch die Welt. Cranko ist ein gefeierter Star-Choreograf. (Gefühlvolle Musik) 1971 gründet er die renommierte "John Cranko Schule". Eine internationale Kaderschmiede des Balletts mitten in Stuttgart. Das Ballettensemble ist seine Familie. Im Kreise dieser geliebten Truppe stirbt John Cranko völlig unerwartet auf dem Rückflug von einer USA-Tournee. Er wird nur 45 Jahre alt. (Melancholische Musik) Ich begrüße bei mir ebenfalls einen großen Namen, Sie waren als Tänzer und ehemaliger Intendant des Stuttgarter Balletts sehr erfolgreich. Herzlich willkommen, Reid Anderson. Ja, Sie sind ja 1969 das erste Mal zum Vortanzen durch die Tür des Stuttgarter Balletts gegangen. Was war Ihre erste Begegnung? Ich war 19. Ich kam aus der Royal Ballettschule. Ich komme ursprünglich aus Vancouver in Kanada. Ich war in der Schule und da gab's Vortanzen in Stuttgart. Ich sprach kein Wort Deutsch damals natürlich. In bin ins Theater gekommen, und irgendwie hab ich meinen Weg gefunden in die Kantine. Und dann eine Ballettmeisterin hat mich gefunden irgendwo und hat mich da hingebracht. Und dann ein Mann ist aufgestanden, mit unglaublichen blauen Augen. Und ich dachte, vielleicht ist ... Ich habe ihn nie live gesehen, aber ein Bild von ihm gesehen in London. Ich dachte: "Das ist wahrscheinlich John Cranko." "Aber er ist Ballettdirektor hier, warum würde er mit mir sprechen?" Jedenfalls ist er aufgestanden, so lebendig: "Ah, ein Junge, tanzt du vor morgen?" "Wie heißt du?" - Ich heiße Reid. "Wo kommst du her?" - Kanada. "Oh, ich habe "Romeo und Julia" in Kanada vor ein paar Jahren gemacht." "Ein schönes Land." Es war so normal. Und dann hab ich die Ballettmeisterin kennengelernt. Und dann saßen wir ... Und so hat's angefangen. Es war so familiär. Und ich habe einen Moment: Ich bin reingelaufen, ich hab John gesehen, und es war so ein ... Moment in meinem Leben. Das war's. Der hat das Leben verändert. - Ich wusste, dass mein Leben wird nie wieder so sein, wie es früher war. - Ja. Also wie eine Art Liebe, Nähe auf den ersten Blick. Das war magisch. - Total offen. Ja. - Total natürlich. Total hingerissen von dem Leben und von dem, was er gemacht hat als Künstler. Sie haben ja später auch mit ihm zusammengewohnt, eine Art WG. Wie kam's denn dazu? Dieter Gräfe ... sein Sekretär, hieß er damals. Er wohnte mit John. Ich habe mich verliebt in Dieter Gräfe. Er ist jetzt sogar mein Mann. Äh ... Und dann ... Wir waren dann ein Paar. Und daher, dass John ... Dieter mit John gelebt hatte, und Dieter hat alles für ihn gemacht dann, haben wir dann mit John gelebt. Wie war's denn mit ihm zusammenzuleben? Eine Achterbahnfahrt. (Lachen) Würd ich sagen. Manchmal hier, manchmal da, ja. - Ja. Er war total ... Er war ein Genie. Er konnte drei Bücher lesen an einem Tag, in drei verschiedenen Sprachen. Er konnte dir das alles erzählen, wie das war. Er war wie unsere ... "Kinder". Wir mussten alles ... oder haben alles für ihn gemacht. Wäsche, alles das. Sei sicher, dass er gut nach Hause gekommen ist. - Ja. Wir mussten das so machen, dass er am Leben bleibt. Und dass er seine Kunst ausüben konnte. So ... der ist ... der war ein so ein Typ, der ist sehr spät aufgestanden. Dann hat er angefangen um 12 Uhr zu choreografieren. Äh, vielleicht ein bisschen eher. Und dann um 13 Uhr waren wir fertig. Und dann haben wir wieder angefangen abends 17 Uhr. Und dazwischen, er war immer in der Kantine. Er hat kein ... Büro gehabt. Sein Büro war die Kantine. Wenn du ihn finden wolltest, da bist du hingegangen. Alle Leute waren um John herum, der war ein bisschen wie ein "Messiah". Der war da und saß da ... Und dann nach 20 Uhr abends, dann er ist immer in die Bars gegangen. Und dann, als er zu Hause war, sagen wir mal, zwei Uhr morgens, dann es fing an mit Schallplatten damals. Schallplatten. Und dann hat er dann Musik angehört bestimmt vier, fünf Stunden lang. Er ... konnte nicht gut schlafen. Und dann hat er seine Musik-Arbeit gemacht. Er hat trotzdem immer die Energie gehabt, mit den Menschen zu arbeiten. Also, er ist ins Ballett gekommen, alle waren um ihn herum. Wie hat er mit den Tänzerinnen und Tänzern gearbeitet? Es war absolut unheimlich. Der kam rein ... wie gesagt, Musik von A bis Z perfekt. Und dann ist er reingekommen. Aber der wusste, du fängst hier an. Aber es war wirklich eine Zusammenarbeit. Und man konnte ihm zuschauen. Sobald er angefangen hat zu arbeiten, er war nur so. Eine Zigarette pro Schritt. Oh! - Eins nach dem anderen. Und es war, der wusste nicht, was die Schritte waren. Wie sie gekommen sind, diese weltberühmten Ballette von ihm. Er wusste musikalisch alles. Und was er mit dem erarbeiten wollte. Wie lang das gehen sollte. Aber die Schritte sind gekommen in dem Raum. Und dann, wir konnten so viel geben. Es war ein Hin und Her. Und wir haben das Gefühl, dass wir wichtig waren. Er hat uns auch geliebt als Menschen, nicht nur schöne Füße ausgedreht, sieht nach was aus. Aber das ... Er hatte ein Riesenherz. - Ja. Er hat uns auch geholfen durchs Leben zu kommen als Menschen. Es war also auf Augenhöhe sozusagen die Zusammenarbeit. Deshalb wollten wir ihm helfen, dass er durch sein Leben kommen konnte und sein Bestes geben konnte. Es war Teamwork. Eines Tages sind Sie aber auch international bekannt geworden, als Sie in New York tanzen waren und ein Kritiker vom "Stuttgarter Ballettwunder" gesprochen hat. Plötzlich waren Sie weltweit bekannt. - Das war ein Weltwunder. Ja. - Und wir waren ... Wir waren alle Leute, die in der Kompanie damals, wir kamen von überall. Wir waren so auf Englisch "misfits". Wir waren die Leute, die keinen anderen Job gekriegt haben in anderen Kompanien. Aber John hat uns irgendwie gemocht und geliebt oder wollte uns haben. Weil er hat was in uns gesehen, was wir nicht selber gesehen haben. Und plötzlich, eines Tages im Juni 1969, waren wir an der Met. Opening Night, am ersten Abend, 4.000 Menschen voll, rammelvoll. Und wir haben Johns berühmtestes Ballett "Onegin" gegeben. In diesem Ballett, so im ersten Akt, da gibt's diesen Abgang von der Gruppe, wo sie über die Bühne wie Pistolenschüsse mit Jetés, diese Beine auseinander. Und das Publikum ... die haben nicht Bravo geschrien, die haben nicht geklatscht, die haben geschrien. (Tonloser Schrei) Dann nach dem ersten Pas de deux mit Marcia Haydée, ist eine große Ballerina ... Die haben dann so Vorhänge gehabt nach dem ersten Akt, wie normalerweise zum Schluss eines Ballettes. - Ja. Aber zum Schluss ... dann nach dem letzten Pas de deux, wahrscheinlich eine von den berühmtesten der Welt, das ganze Publikum, wie eins, ist aufgestanden. Und die haben nicht so geklatscht ... geschrien: (Panischer Schrei) Es war wie ein Urschrei. Das war ja für ihn dann auch ein Sensationserfolg, weltweit plötzlich berühmt zu sein. - Total. Er ist ganz plötzlich, während eines Fluges, im Flugzeug gestorben. Welche Erinnerungen haben Sie an diese Situation? Als John starb, es dauerte zehn Jahre lang ... bis ich seinen Namen überhaupt aussprechen konnte. Er war ... wie mein Kind. Mein ... Es war ... Er war uns eins, für uns alle. Das war als ob meine Mutter, mein Vater, Schwester, Bruder Tanten, Onkel, alle gestorben sind. Weil er hat uns unser Futter gegeben. Er hat uns alles gegeben. Ich glaube, wir wussten gar nicht, was er uns alles gegeben hat. Und plötzlich war er weg. Alle Leute haben John geliebt. Du konntest ihn umhauen, aber du hast ihn einfach ... geliebt. - Ja. Wie sehr Sie ihn lieben, immer noch, das wird so deutlich. Sie tragen sein Erbe weiter, Sie haben die John-Cranko-Stiftung ins Leben gerufen. Genau. - Und die neue Schule ... ist so ansehenswert. Das ist ein Kunstwerk eigentlich. Und ein Denkmal, ein lebendiges Denkmal an John. Ja, und wo John Cranko war, da waren auch Sie. Vielen herzlichen Dank, dass Sie bei uns sind, sein Begleiter und enger Freund Reid Anderson. War mir ein Vergnügen, danke. (Ruhige, jazzige Musik) (Sanft-verspielte Musik) Charlie Rivel liebt kindliche Komik. Aus ihr gewinnt er seine Inspiration. Und er versteht es, seinem Spiel Raum zu geben. Schon als Zweijähriger steht er in der Manege. 1896 wird Rivel in der Nähe von Barcelona geboren. Seine Eltern sind arme Artisten, die stetig durchs Land ziehen. (Verspielte Musik) Charlie Rivels Vorbild ist Charlie Chaplin. Er entwickelt eine Trapeznummer, parodiert den Meister der Komik und landet damit seinen ersten Erfolg. Mit seinen Brüdern tritt er auch als "Charlie und die Rivels" in Deutschland auf. Im Berlin der 20er- und 30er-Jahre werden sie frenetisch gefeiert. Sein Erkennungszeichen: - Schööön! "Akrobat Schööön" entsteht damals per Zufall und begleitet ihn über Jahre bei jeder Vorstellung. (Verspielte Musik) Auch unter Hitlers Diktatur tritt Charlie Rivel weiter in Deutschland auf, was ihm später viel Kritik einbringt. Nach siebenjähriger Pause entschließt er sich, im Nachkriegsdeutschland wieder auf die Bühne zu gehen, und kann nun endlich die Lorbeeren für seine harte Arbeit ernten. Sein erfolgreiches Comeback beginnt in München. Unvergessen das Spiel mit Stuhl und Gitarre. Eine Clownerie, die philosophisch anmutet, den großen kleinen Katastrophen auf den Zahn fühlt. Charlie Rivel fasziniert dabei wie kaum ein anderer. (Applaus) Noch im Alter von 86 Jahren steht er auf den Bühnen der Welt. Bis er 1983 schließlich in Barcelona stirbt. (Die Musik endet.) Bei uns ist der Sohn von Charlie Rivels einziger Tochter Paulina, Benny Schumann. Sie haben ihn ja noch persönlich erlebt. Wie war er? (dänisch:) Er war ein fantastischer Artist. Und darüber hinaus eben ein phänomenaler Clown. Und ... von Kindesbeinen an war er mein Idol. Er hat mich in die Manege mitgenommen, da war ich gerade mal anderthalb Jahre alt. Später hat er einen kleinen Film mit mir gemacht, da war ich drei. (Spielmusik) Und da schminke ich mich so wie er, wie mein Großvater. Und da hab ich dann auch eine kleine Vorstellung schon als Clown gegeben. Das hat den Keim sozusagen gelegt. Dafür, dass ich eigentlich immer so sein wollte wie mein Großvater. Denn Sie sind auch Clown und haben viel von Ihrem Großvater gelernt. Wie wir jetzt sehen können in einem kleinen Filmausschnitt, den Sie uns mitgebracht haben. Man sieht Sie und Ihren Großvater, wie er mit Ihnen als Kind schon gemeinsam aufgetreten ist. (Alberne Musik) (Alberne Musik) (Applaus) Wow. Wie toll. Was hat denn seine besondere Kunst, seinen Zauber ausgemacht? Er verstand es einfach ... seine eigenen Fehler, also allgemeinmenschliche Fehler zu sehen und daraus eine Clownnummer zu machen. Wenn man über seine eigenen Fehler lachen kann, dann kann man auch Leute dazu bringen, dass die über ihre Fehler lachen. Weil man sich darin wiedererkennt. Er war wirklich sehr originell. Es gab andere Clowns, die sagten: Na ja, er macht doch eigentlich gar nichts Besonderes. Aber die Leute haben gelacht. Und er hatte auch eine gute Beobachtungsgabe, sah das Kindliche. Da, wo er dann weint, da hatte einer seiner Söhne festgestellt, dass, wenn er weint, dass das eine entsprechende Wirkung hat. Das hat er auch dann eingebaut in seine Nummer. Und natürlich muss man das dann genau ausarbeiten. Man muss sich anschauen, wie das Publikum reagiert. Und auch darin war er genial. Also die Zusammenarbeit mit dem Publikum, der Draht, der da besteht, wo ist das Komische? Da hab ich wahnsinnig viel draus gelernt. Das ist eine hohe Kunst, glaube ich. Er liebte seine Arbeit, er liebte die Arbeit als Artist. Und ich denke auch, dass das der Grund war, dass er eben immer weitergemacht hat, bis er 86 war. Er konnte einfach nicht ohne leben. Das kann man verstehen. Er hat sich viel bei den Kindern abgeguckt, sagen Sie. Wie war denn seine eigene Kindheit? Ja, das waren harte Zeiten. Es war Krieg, Krankheiten, Armut. Da gab es keine Sozialhilfe. Also Artisten genossen keinen guten Ruf. Und wenn da was schiefging im Zirkus, ja, dann hatte der Artist keine Arbeit mehr. Da gab es keine soziale Absicherung. Das heißt, sie mussten immer wieder auftreten. Und als mein Großvater geboren wurde, da waren seine Eltern gerade unterwegs im Zirkus und traten auf. Und heute ist eben in diesem Ort ein Museum. Nach einer Woche war das ja damals so, dass die Artisten dann auch weiterzogen, die Fahrensleute. Dann bekamen sie vielleicht bei einem Zirkus einen Job, das war dann auch bei meinem Großvater der Fall. Und dann wurde das Leben langsam angenehmer. Sie konnten sich einen Campingwagen kaufen. Aber es war wirklich ein hartes, hartes Leben. Deshalb war mein Großvater auch so glücklich darüber, dass die Leute seine Arbeit wertschätzten. Er war dankbar gegenüber dem Publikum. Er war auch sehr stolz. Sie üben Ihren Beruf als Clown ja auch immer noch aus. Was lieben Sie so an dieser Tätigkeit? Tja ... was so toll daran ist ... Wenn ich auf die Bühne komme ... dann kriege ich diesen Kontakt zum Publikum. Ich nehme das Publikum mit in meine Welt hinein. Das ist eine Welt ohne Probleme, ja? In meiner Show ... da gibt es auch nicht Schwarz und Weiß. Wir sind Menschen, die fröhlich sind, wir haben Spaß miteinander. Und wir sollen lachen übereinander aber auch über uns selbst. Und wir sind nett zueinander. Und da passiert etwas, ja? Die Menschen lachen, und die vergessen all das andere. Natürlich kann man damit nicht die Welt retten, aber etwas bewirkt das doch. Sodass man eben wieder Kraft schöpft. Ich denke, das kennen wir alle. Wenn man etwas hört, ein Stück Musik, ein fantastisches Konzert oder auch ein Rockkonzert, das inspiriert einen. Und man lebt in dem Gefühl, das Leben ist doch schön. Und dann ... Da fehlen all diese Hindernisse, die es im normalen Leben gibt. Man hat eine Melodie im Kopf, und dann denkt man vielleicht: "Ich kann diese Mauer durchbrechen, diese Hindernisse überwinden." Das heißt, das gibt den Menschen etwas. Also da ist der Clown vielleicht mehr, als er selbst glaubt. Nicht, weil ich jetzt hier ganz großspurig sein will, aber man gibt doch den Menschen etwas. Und das Publikum gibt mir etwas. - Ja. Wir müssen Spaß haben und Spaß machen. Auf jeden Fall. Und diese große Familientradition lebt in Ihnen weiter. Vielen herzlichen Dank, Benny Schumann, Enkel des großen Clowns Charlie Rivel. Danke schön. (Ruhige, jazzige Musik) (Unruhige Streichmusik) Ihre Choreografien sind Kult. Avantgardistisch, herausfordernd, revolutionär. Ich muss ja dann entscheiden: Folge ich meinen Plänen, oder folge ich plötzlich etwas, was ich gar nicht weiß, wo mich das hinführt? Das hab ich dann einfach irgendwann gemacht. (Lebhafte Musik) Pina Bausch gehört zu den ganz Großen der internationalen Tanzszene. Sie gilt als eine bemerkenswerte Choreografin, in kein Schema zu pressen. Hier müsst ihr euch öffnen. Nie ist ihr ein Bühnenstück gut genug, immer sieht sie Potenzial für Neues. Was sie kreiert, ist alles, nur kein klassisches Ballett mehr. (Lachen) (Langsamer Gesang) Es ist Schauspiel, Modern Dance, Pantomime und Musical zugleich. Pina Bausch wird 1940 als Tochter eines Gastwirts in Solingen geboren. Sie macht als 15-Jährige eine tänzerische Ausbildung, erhält wenig später ein Stipendium in New York, wird eine erstklassige Tänzerin und Choreografin. (Treibende Musik) Ihre Aufführungen sind expressiv, vollführen Geschlechterkriege, zeigen tief greifende menschliche Psychogramme. Nichts, was sich so einfach konsumieren lässt. Das Publikum hasst und liebt sie schließlich. Pina Bausch gilt bald als Ikone des Tanztheaters. Trotzdem bleibt sie zeitlebens schüchtern und hadert mit ihren Stücken. Ich denke jedes Mal, ich möchte nie wieder eins machen, wirklich. Schon seit vielen Jahren. Warum mach ich das nur? Im Sommer 2009 präsentiert sie ihr letztes Bühnenstück. (Applaus) Jo Ann Endicott, Sie sind Freundin und längste Mitarbeiterin von Pina Bausch. Wie haben Sie sich kennengelernt? Äh, das war reiner Zufall. Ich war in London. Und ich war früher in der Australian Ballet Company. Und dort musste man da immer dünn und schön und wie die anderen sein. So wie überall eigentlich. - So wie überall. Und ich war eine gute Tänzerin, aber meine Chefin hat mir gesagt: "Ja, ehe wir dir einen Solistenvertrag geben können, solltest du vielleicht die Zähne ziehen lassen, die Haare ankleben an dein Gesicht und vielleicht noch mal drei Kilo oder zwei Kilo abnehmen." Ich hab dann irgendwie die Nase voll und bin dann nach London gekommen und wollte eigentlich nicht mehr professionell tanzen. Nur als Hobby. Und eines Tages war ich im London Dance Centre. Und da saß eine Frau da. Und ich merkte, hm, diese Frau, die ... guckt mich immer so an, so ... Was ist mit dieser Frau? Diese Frau war Pina Bausch. Und ich tanzte die Stunde zu Ende und ging runter. Und diese Frau tippte mir an die Schulter und fragte mich, ob ich einen Job suche. Sie suchte Tänzer für ihr ... den Anfang in Wuppertal 1973. Ich hab keinen Job als Tänzerin mehr gesucht, weil ich ... hatte es satt. Aber diese Frau war so beeindruckend schön. Und sie hatte solche Augen und so eine Aura, dass ich das Gefühl hab, sie ist irgendwie ... in mich reingeschlüpft. Das hört sich fast an wie eine schicksalhafte Begegnung. Bestimmt war es auch das. Und es muss was so Starkes gewesen sein, dass es gereicht hat ... für mich, ein Leben lang irgendwie bei ihr zu bleiben. Und ... wir hatten ein sehr enges Verhältnis. War sie denn jemand, der Gefühle gut zeigen konnte? Hm, sie hatte so oft dieses Pokerface. - Ja. Sie hat nicht viel rausgelassen, auch nicht sehr viel gesprochen über die Stücke oder ... Äh, nie ... Nie wirklich gesagt, was sie gedacht hat. Aber wenn du sie so lange kennst ... oder kanntest ... Äh, du wusstest schon ohne Wörter, so ... Es war so eine Augen-zu-Augen-Beziehung, so. Eine Gefühlsperson und ich auch so. Dann sind Sie also mit ihr nach Deutschland gegangen. Und da waren Sie jetzt mit dieser Tänzerin, Choreografin, genialen Künstlerin, die alles anders gemacht hat. Auch für das Publikum. Diese Abkehr vom klassischen Handlungsballett war gewöhnungsbedürftig. Wie waren die ersten Reaktionen? Damals, 1973? - Ja. Oh ... ganz schlimm. (Julia Westlake lacht.) Ich hatte fast Angst, auf die Bühne zu gehen. Weil mal kam eine Tomate geflogen ... Die Türen waren nur ... zugeschlagen. Die Kritiken waren meistens schlecht. Ich weiß, irgendwann mal sah ich ein Bild von mir in der Zeitung, wo ich aussah wie eine Wurst mit Beinen. Ihr erstes Stück war "Fritz". Und da stand: "Eine halbe Stunde Ekligkeit". Oh. - So haben sie über sie geschrieben. Es war die Anfangszeit. Aber kurz danach ... Ein Jahr später oder so hat sie diese wunderbare "Iphigenie", diese Tanzoper, inszeniert und choreografiert. Und so langsam, Schritt für Schritt, hat das Wuppertaler Publikum sich an Pina Bausch gewöhnt. Und jetzt liegen sie ihr zu Füßen. - Ja. Und auch die ganze Welt. Wie war denn die Zusammenarbeit innerhalb der Company? Ich war so fasziniert von dieser Frau und ihrer Vision und ihrer Schönheit. Und ich glaubte an sie. Und ich habe das Gefühl, ohne sie nicht der Mensch zu sein, der ich jetzt geworden bin. Mhm. - Und ich wusste auch damals nicht, dass ich so viele Seiten an oder in mir hatte zum Spielen, so ... Ich interessierte mich immer für das Weinen auf der Bühne, das Dramatische. Die Schauspielerei, Springen an der Wand, äh ... Also alles. Und das Clowneske, das mit ... lustig kann ich auch sein. Sie hat das alles ... mit den Jahren, von Stück zu Stück, aus uns, aus mir rausgeholt. Das fand ich genial. Wonach hat sie denn bei Tänzern gesucht? Sie hat ja nicht so die klassischen Besetzungen gehabt, wie man sich sonst Tänzer vorstellt. Also, du musstest schon eine gute Training, Ausbildung gehabt haben. Aber es war mehr der Mensch. Was ich mir vorstelle, wenn man so arbeitet, wie Sie das beschreiben: Das gibt viel Reibung, oder? Wenn man so an seine Gefühle muss, sich von innen nach außen krempeln. - Ja. Haben Sie auch gestritten? (Julia Westlake lacht.) Well? Well, yes. Back to "yes". Ähm ... Es ist eng, du gibst so viel. Und klar, du bist, du wirst manchmal so müde. Von immer suchen und immer machen. Und sie war nicht immer zufrieden mit dem Ersten. - Ja. "Nee, noch mal, noch mal, noch mal." Und weil diese Stücke in den ersten Jahren so emotional waren, und ich hatte sehr viele tragende Hauptrollen, irgendwann ... Ich hatte keine Gefühle mehr. Und trotzdem sind Sie immer ganz, ganz nahe geblieben. Wie haben Sie damals Pinas Tod verkraftet? Das tat ... unermesslich weh. Aber ... nicht nur für mich, also, ich hatte das Gefühl, die ganze Welt ist von ihrem Tod betroffen. Diese Person, die uns so viel gegeben hat, so schnell vergangen ist ... Ich selber bin in ein bisschen so eine Art Burn-out ... Aber ... Mit den Jahren hab ich mich befreit von irgendwelchen blöden Gefühlen, oder ich hab mich erholt. Und ich habe das Gefühl, jetzt ich zu sein. Und mein Wissen und mein Können und mein Menschlichsein ... tut der Company jetzt sehr, sehr gut, wenn ich zurückkomme als Probenleiterin oder auch letztes Jahr als ... bin ich wieder auf die Bühne gegangen. Ja. - Und hab "Kanonensong" gemacht. Das hat mir ... Das heißt, Sie führen dieses Erbe weiter, das ist Ihre Mission? Ja. Es muss genau sein, wie ich das von ihr gelernt hab. Ich bin sehr streng, aber ich bin auch lustig. Aber es muss richtig sein. Vielen Dank, Jo Ann Endicott. Einer der Menschen, die Pina Bausch am nächsten waren und am vertrautesten. Das war's für heute bei "Ich trage einen großen Namen". SWR 2024