v1.0 . Untertitelung: BR 2025 Die 60er-Jahre: Klaus, ein Gastarbeiter aus Ingolstadt kommt ins Wirtschaftswunderland Türkei. Die Gastarbeitergeschichte genau andersherum erzählt, als Liederabend. Eines von mehreren spannenden Stücken, die von jenen handeln, deren Geschichten im Theater lange Zeit nicht erzählt wurden. Für mich hat Theater noch nie so viel Sinn ergeben wie mit "Istanbul". Vielleicht zieht es auch Menschen ins Theater, die nicht zu einem bildungsbürgerlichen Kreis gehören. Ich glaube, Romeo mit einem Türken zu besetzen, ist jetzt gerade nicht mehr das, was meine Regie-Generation und meine Autoren-Generation interessiert. Wir sind schon bei anderen Geschichten. Es sollte selbstverständliches Theater sein, also nicht etwas, was zur Schau gestellt wird. Vielleicht meint durch dieses Stück ein Mensch zu Hause: "Mensch, das würde ich gerne recherchieren mal. Schaue ich mal, informiere ich mich mehr über diese Jahre, über diese Gastarbeiter." Die Lieder der Pop-Königin Sezen Aksu, gesungen von deutschen Schauspielern. Eine Oper, bei der Aschenputtel eine Textilgastarbeiterin ist. Ein Theaterstück, bei dem deutsche Migrationsgeschichte in Rhythmus verwandelt wird. Und ein Schauspieler, der mindestens drei Welten auf die Bühne trägt. Theater als Seismograph unserer Gesellschaft und Zeit. "Das Theater ist und bleibt unersetzlich, nicht nur, damit wir uns, das Leben und die Welt besser verstehen, sondern einfach als tiefes Erlebnis selbst." Das sagte einst Bundespräsident Richard von Weizsäcker. Das Theater ist nicht nur Unterhaltung, sondern im Idealfall auch ein Ort, an dem man sich mit der Welt auseinandersetzt, an dem kritische Diskurse geführt und Themen unserer Gesellschaft hinterfragt werden. Dabei fanden sich Einwanderer und ihre Kinder lange Zeit hierzulande selten im Theater wieder, genauso wenig wie ihre Lebensrealitäten. Wie spiegeln sich ihre Geschichten heute im Theater? Der Liederabend "Istanbul" ist in ganz Deutschland ein Riesenerfolg. Die Ingolstädter Inszenierung: großartig. Es ist eine völlig neue Perspektive auf ein vermeintlich bekanntes Thema, mit viel Witz und Empathie. Hier wird die Gastarbeiter- Geschichte erzählt von Türken, die nach Deutschland gekommen sind, bloß umgekehrt. Wie viel wusstest du über die Gastarbeitergeschichte? Ich wusste, dass wir diesen Menschen zu verdanken haben, dass wir eine der größten Wirtschaftsmächte Europas sind. Ich weiß aber auch, dass da wenig Dankbarkeit in der allgemeinen Bevölkerung für vorhanden ist, meines Erachtens. Deswegen finde ich es extrem wichtig, dass wir den Abend machen, eben auch als kleines Danke. Neben dem, dass ich finde, dass durch diesen ganz kleinen Twist eben diese kleine Veränderung, die Gastarbeitergeschichte eben in die Türkei zu verlegen, also dass wir Deutschen den Türken ausgeholfen haben, dass man so viel Empathie hervorrufen kann beim Publikum und dass man plötzlich denkt: "Ah, warte mal, das ist mir gar nicht so fremd." Oder ich zeig da hin und sag: "Das ist denen passiert." Sondern: Ich kann mich da absolut reinfühlen, und plötzlich merken wir: Ich habe ja vielleicht auch Anteile, die das nachvollziehen können, oder Entfremdung, Entwurzelung, Heimweh ist etwas, was ich auch nachempfinden kann. Drei der deutschen Schauspielenden lernten die türkischen Stücke phonetisch, Wort für Wort. Ihr habt im Vorfeld dieses Stückes einige Stunden Türkischunterricht gehabt, was ist dein Lieblingswort? Mein Lieblingswort ist "Gece". - Die Nacht. Genau, ich finde das schön, wenn ich es richtig hinbekomme. Ja, es war eine extrem schöne Herausforderung, weil es, finde ich, auch dem einfach gerechter wird, der ganzen Thematik. Und dieser anderen Sprache, dass man nicht einfach behauptet, man kann das jetzt, sondern dass man sich hinsetzt und damit auseinandersetzt. Dann kann man besser nachvollziehen, wie es ist, wenn man wo ist und kein Wort versteht. Auch diese Barriere zu spüren, auch diese Feinheiten, die Sprachen mit sich bringen, wenn man die eben nicht beherrscht. Staatstheater Nürnberg: Inszenierung von "Juices". Die in Polen geborene und in Deutschland aufgewachsene Autorin Ewe Benbenek entwickelt Sprache vom Rhythmus her neu. Es geht um Klassismus, um aktuelle Migrationsdebatten und um die Geschichte der Arbeitsmigration in Deutschland. Ich hänge ... Ich hänge schon wieder. Hänge ... - Hänge! Und die Mutter, sie schreibt nicht und du, du denkst, ... Auch wenn ich könnte, dürfte ich ihr auf keinen Fall schreiben, dass ich hier schon wieder am Hängen bin. - Hängen! Da sind ja auch Stimmen, die über sozialen Aufstieg und Fall immer wieder sprechen. Also, dass sogar bei einem sozialen Aufstieg ein Fall drohen kann. Wir, ... ... hier, ... ... so! Es ist wichtig zu sagen, dass Erinnerung ein Privileg ist. In vielen prekären Migrationsbiografien ist eben auch die Erinnerung zu der Generationen davor und das Erzählen untereinander abgeschnitten. Wenn man in einem anderen System aufwächst, in einem anderen Bildungssystem, in einer anderen Sprache dann sozialisiert wird, die dann anders ist zu den Erfahrungen der Eltern, dann entsteht ein Bruch und eine Lücke. Das ist schmerzvoll, und es ist eben ein Privileg, auch kontinuierliche Biografien und Erinnerung zu haben. Das setzt eine gewisse Stabilität voraus, die es oft in Migrationsbiografien nicht gibt. Ich hoffe, dass in "Juices" das auch über die Sprache erzählt wird. Die Sätze in "Juices" sind eben auch oft keine vollständigen. Sie brechen bei einem Vers ab. Also werden nicht als gute grammatikalische deutsche Sätze fertig erzählt, sondern sind in sich auch fragmentiert und lückenhaft. Gleichzeitig finde ich, es liegt eine Chance darin, wenn man eh schon nicht in einer Kontinuität erzählen kann und sich dessen bewusst wird, muss man seine eigene Sprache und Geschichten erschaffen. Und das hat auch eine Kraft. Ewe Benbenek schafft eine eigene Sprache. Themen wie Isolation, Versagensangst, Selbstbehauptung sind so offen gestaltet, dass alle Zuschauenden angesprochen werden. Ich glaube, Romeo mit einem Türken zu besetzen, ist jetzt nicht mehr das, was meine Regiegeneration und Autoren-Generation interessiert. Wir sind schon woanders. Wir wollen andere Geschichten, Blickwinkel, andere Personen ansprechen im Publikum, aber das Abo-Publikum soll auch angesprochen werden. Aber es soll auch weiterdenken. Deswegen meine ich, setzt sich Ewe klug in "Juices" damit auseinander und nimmt auch diese Putzfrauen-Thematik. Die, die vor 30 Jahren nie auf der Bühne repräsentiert wurden. Wer darf auf einer Bühne sprechen? Das hat auch "Juices": Wer darf hier sprechen? Wer darf Julia oder Ophelia sein? Für mich ist das vie weiter und gar nicht mehr so das: Es ist eine tolle post-migrantische Geschichte. Sondern das ist fürs Theater. Dass die Figur dann post-migrantisch ist, ist für mich zweitrangig, weil sie eine Geschichte hat, die wichtig ist. Die Münchner Kammerspiele: Erwin Aljukic ist hier Charakter-Darsteller. Hier wird versucht, die schönste Utopie zu verwirklichen: Normalität für alle. Gesellschaft wird verhandelt und gelebt. Aljukic mitten drin und immer direkt. Alles abgesagt, alles, ein ganzes Leben gecancelt. Die Theater geschlossen. Die Flughäfen geschlossen. Die Grenzen geschlossen. Ich komme nicht weg. Erwin Aljukic hat die Glasknochenkrankheit, ist homosexuell, aus einer bosnisch-muslimischen Familie. Mit alledem arbeitet er souverän. Ich merke auch in meinen Arbeiten, dass ich immer wieder versuche, diese Elemente mit reinzubringen, weil ich tatsächlich aufgrund meiner Biografie finde, dass ich sehr viel zu sagen habe. Und ich fände es verschenkt, das für mich zu behalten. Weil: Wenn ich schon "diesen Reichtum" in mir habe, in so vielen unterschiedlichen, wirklich unterschiedlichen und teilweise sehr gegensätzlichen Welten unterwegs zu sein, wieso soll ich das nicht irgendwo benutzen? So auch bei "YUdéjàVU", einer Reise durch die Popkultur des ehemaligen Jugoslawiens. Kulturschaffende aus einst verfeindeten Bevölkerungsgruppen auf einer Bühne, weil sie hier, in ihrer zweiten Heimat, viele Gemeinsamkeiten leben. Ihr tragt das hier auf diese Bühne. Ein Thema, das mit der Mehrheitsgesellschaft erst mal nicht so viel zu tun hat. Was bedeutet das? Bevor ich anfange am Mikro, muss ich mich gedanklich abkoppeln, weil es mich dann übermannt. Ich habe diese Sängerin genommen, deren Song ich da interpretiere, die halt damals in Jugoslawien, in den Achtzigern, das lief rauf und runter, also überall im Radio. Ich kann mich gut daran erinnern: Das habe ich mit meiner Cousine nachgespielt. Das war ungefähr '84, und die war einfach omnipräsent. Man hat irgendwie auch seine Kindheit damit verbunden. Ganz klar. Und das merkt man dann auch anhand der Reaktion der Zuschauer. Sobald sie diese Songs gehört haben, war es ein das Gefühl von: "Ach ja, war das schön damals. Und wie schade, dass wir das heute nicht mehr haben." Es übermannt mich halt jedes Mal. Ich möchte diese beiden Welten, also in Deutschland aufgewachsen zu sein und in Jugoslawien, möchte ich instrumental verbinden. Und dann gibt es da Akkorde in dieser jetzigen Version, wo Deutsche auf einmal so Akkorde von Modern Talking hören: "Oh, wow, Modern Talking aus meiner Kindheit." Und dann aber kommt dieser Text von Lepa Brena, den aber die Jugoslawen kennen, Ex-Jugoslawen. Also jeder hat Erinnerung und eine Referenz, aber aus ganz unterschiedlichen Richtungen. Das ist super spannend. Der Martinipark in Augsburg: Wo früher die Textilindustrie blühte, wird heute auf einer Ausweich-Bühne die Aschenputtel-Oper von Rossini gespielt. Für uns war der besondere Ausgangspunkt eigentlich der Ort hier. Also dadurch, dass das Theater Augsburg nicht in seinem Stammhaus spielt, sondern hier in den ehemaligen Fabrikhallen der Textilindustrie, sind wir auf den Gedanken gekommen, den Aufführungsort an seine ursprüngliche Bestimmung zurückzuführen. Also in die Zeiten der Textilindustrie und in Zeiten, wo hier in diesen Hallen, Gastarbeiterinnen und Gastarbeiter beschäftigt waren und gearbeitet haben, Stoffe hergestellt haben. Aschenputtel ist in Manuel Schmitts Inszenierung eine Gastarbeiterin, die bei ihrer Tätigkeit am Webstuhl in eine Traumwelt flüchtet. Der Opernabend beginnt mit den Erinnerungen einer italienischen Gastarbeiterin, die hier früher in der Textilindustrie gearbeitet hat. Rosalia Terrana kam 1965 Jahren nach Augsburg. Sie war 18 und gründete hier eine Familie. Als Kind schon wollte sie Schneiderin werden, aber es gab keine Möglichkeit in ihrem kleinen italienischen Heimatdorf. Sie sind in den 60er-Jahren aus Italien nach Deutschland gekommen und haben hier auf diesem Gelände ganz viele Jahre gearbeitet. Wie war es hier zu arbeiten für Sie? War das eine gute Zeit? Das Aschenputtel ist schon bei Rossini kein Opfer, sondern eine junge Frau, die ihre Chancen zu nutzen weiß, fleißig, zielstrebig. Von denen, die es nicht gut mit ihr meinen, lässt sie sich nicht aus der Bahn werfen. Das Aschenputtel schafft es von alleine, braucht keine Fee, um es dann zu schaffen. Jetzt haben wir eben auch diese Gastarbeiterinnen, die es aus eigenen Kräften, mit eigenem Willen und harter Arbeit geschafft haben, hier zu sein. Was bedeutet es, das eben so miteinander zu verstricken? Diese Oper, uraufgeführt 1817, ist ganz aus einer aufklärerischen Idee heraus entstanden mit eben diesem Bedürfnis, dass so ein sozialer Aufstieg möglich ist. Und das irgendwie zu verknüpfen mit einer Geschichte, die näher an uns dran ist, wo was Ähnliches im Grunde ja eine Triebfeder war. Diese Hoffnung, von vielen Italienerinnen oder auch aus der Türkei stammenden Menschen zu sagen: Wir wollen nach Deutschland kommen, um besser Geld zu verdienen, um unsere Familien zu Hause zu unterstützen. Ich kann mir gerade die Geschichte aktuell gar nicht mehr anders vorstellen. In der Inszenierung von "Istanbul" stehen die Hits der türkischen Pop-Sängerin Sezen Aksu im Zentrum. Das zieht auch ein neues Publikum ins Theater Ingolstadt. Nimet Serifsoy geht schon lange ins Theater, hatte aber zuletzt das Interesse verloren. Das Stück "Istanbul" aber hat sie wirklich berührt. Es holt sie ab in ihrer Lebensrealität. In dem Stück sind auch deutsche Schauspieler, die türkische Songs singen. Wie haben Sie das empfunden? Das finde ich herrlich. Und wie die das auch geschafft haben, so fast ohne Akzent und mit richtig guter Melodie zu singen. Also, es war wirklich bemerkenswert gut. Gab es eine Szene in diesem Stück, die Sie ganz besonders berührt hat? Ja, die Szene mit der Begrabung war besonders berührend, weil man sich natürlich immer wieder überlegt, wo man hingehört. Weil da ist schon ein Zwiespalt da: Gehöre ich hierhin? Gehöre ich doch nach Istanbul? Weil meine Kinder hier sind und ein großer Teil der Familie in Istanbul ist. Wo will ich begraben werden? Das Thema war natürlich schon für mich auch sehr berührend. Mein lieber Klaus, wir werden dich vermissen. Ruhe in Frieden mein Freund. Halt, vielleicht hätten wir ihn doch nicht verbrennen sollen? Aber dass wir ihn hier begraben, da bist du dir sicher? Er hat doch immer von Ingolstadt gesprochen. Wie ist es, wenn du ins Publikum schaust und ein diverses Publikum siehst, wie es vielleicht sonst nicht so zu sehen ist? Für mich hat Theater, ich mache seit elf Jahren den Job, noch nie so viel Sinn ergeben wie mit dem Stück "Istanbul". Manchmal, nach den Vorstellungen, kommen Menschen zu uns, umarmen uns weinend und sagen so Dinge wie: "Ihr erzählt die Geschichte meines Vaters." Oder: "Ich habe mich noch nie so auf einer Bühne abgebildet gefühlt oder so gemeint." Und das ist eine Form von Theater, die mir wirklich auch mal zur Abwechslung das Gefühl gibt, dass das wirklich Sinn ergibt, und eine große Bedeutung hat. Weil du eben sagst, dieses Theater ist so eines, wo du eine besondere Sinnhaftigkeit darin siehst: Wie müsste sich aus deiner Sicht das Theater noch mehr entwickeln? Oder wo hat es sich schon sehr stark verändert und wohin kann es noch mehr gehen? Wir hatten z.B. ein Publikumsgespräch nach einer Vorstellung von "Istanbul", wo ein Mann die Frage gestellt hat, für wen denn dieses Stück sei? Ich finde, solange diese Frage gestellt werden muss, haben wir noch viel zu tun. Weil ich hoffe, dass wir irgendwann an dem Punkt sind, wo Theater für alle ist und immer. Und es dann nicht nur eine Art von Othering wieder gibt von: Das ist jetzt das Stück für ... Sondern dass wir alle uns da wieder erkennen. Da sind wir schon weit gegangen und gekommen, aber haben auch noch einen langen Weg. Dabei liegen die Themen oft auf den Straßen oder wie hier auf einem Gelände in Augsburg, auf dem viele Gastarbeiterinnen in Fabriken ein- und ausgingen. Die Menschen sind oft vielfältiger als der Kulturbetrieb. In der Geschichte Deutschlands liegen die Geschichten. Ich kann auf jeden Fall die Gefühle von Angelina sehr gut verstehen. Man kommt in ein fremdes Land, man kennt keinen, man hat nur seine Sachen und einen Traum. Und man vermisst das Heim usw., aber man ist bereit, trotzdem zu arbeiten, und hofft auf ein besseres Leben und eine bessere Zukunft. Die Hoffnung auf ein besseres Leben, dieses Thema liegt schon im Rossini-Stoff. Diese Interpretation eröffnet die Chance, dass vielleicht ein neues Publikum den Weg in die Oper findet. Auch drei Vertreterinnen der türkischen Community sind bei der Generalprobe als Zuschauerinnen mit dabei. Sie sind selbst als Gastarbeiterin gekommen oder deren Nachfahren. Ich schätze das sehr, wenn diese Geschichte, die auch zu Augsburg gehört, auch im Theater als Thema gehandhabt wird. Also als Wertschätzung, dass das einfach zu Augsburg gehört. Es hat mich richtig berührt und sehr Freude gemacht. Ich habe gedacht: Das wäre schön, wenn meine Mutter das auch gesehen hätte. Das ist eine Wertschätzung Vielleicht meint durch dieses Stück ein Mensch zu Hause: "Mensch, das würde ich gerne recherchieren mal. Schaue ich mal, informiere ich mich mehr über diese Jahre und Gastarbeiter: Wie haben sie gelebt, was haben sie gemacht?" Da kann man vielleicht auch Parallelen zur Gegenwart finden und auch sich Fragen stellen und reflektieren. Und ich sehe das auch als Geschenk für mich, diese Rolle in dieser Partie zu interpretieren, aber auch diese Figur eines lebendigen Menschen darzustellen. Jeder Darstellende bringt auch sein Wissen, seine Erinnerung, seine Erfahrung mit. In diesem Stück wird die Gastarbeitergeschichte umgekehrt erzählt. Du selber bist ein Kind von einer Gastarbeiterin, die nach Deutschland kam. Was bedeutet dir dieses Stück persönlich? Ich habe es als Gastarbeiterkind gesehen, wurde zurückerinnert oder wurde berührt dadurch. Und zum anderen natürlich bin ich Deutscher und habe dann als Deutscher mit zwei Seelen, mit zwei Gefühlen auf dieses Stück geguckt. Es hat mich doppelt quasi berührt und bewegt. Ich habe dann wirklich an meine Mutter gedacht. Ich weiß noch, wie sie morgens um fünf aufgestanden ist, jeden Tag, und zu dieser Arbeit gegangen ist. Erst mal zur Straßenbahn. Und ich habe sie ein-, zweimal, weil ich auch wach war, aus dem Fenster gesehen, wie sie eilend jedes Mal da gelaufen ist, manchmal auch mit ihren Stöckelschuhen, um in diese Fabrik zu kommen. Und ich habe noch Bilder von ihr, wie sie also an diesem Band hockt, mit gebückter Schulter, und versucht, da diese Platinen zu bestücken. Auch in "Juices" geht es um die Auseinandersetzung mit der Generation der in prekären Bedingungen arbeitenden Mütter, an die sich mit Respekt erinnert wird. Sie nimmt klare Bilder und setzt sich mit denen auseinander, verdichtet sie, dreht sie durch den Fleischwolf, betrachtet sie von allen Seiten. Dadurch hat man selber eine Assoziation. Z.B. am Kronleuchter hängen, was bedeutet das? Was für eine Symbolik hat ein Kronleuchter für mich? Sie nutzt da die Symbolik des Aufschwungs. Gleichzeitig ist es was total Elitäres. Gleichzeitig ist das eine totale Theaterreferenz, weil hier im Theater oft Kronleuchter hängen. Dadurch spielt sie mit vielen Ebenen, die sie da verdichtet. Weil sie, die Mutter, sie ... Weil sie doch fest davon ausgeht, ... ... dass du dich jetzt hier auf diesen Chandelier heraufgeschwungen hast. Und dass das gefälligst auch so bleibt. Dass das gefälligst auch so bleibt, damit sie nicht umsonst getan hat, was sie getan hat. Dass zumindest du, ... - Du! ... dass zumindest du, so einen Heraufschwung geschafft hast. (alle) Und dass das und dass das und dass das gefälligst auch so bleibt. Es ist ein rhythmisch geschriebenes Stück, weil ich eben auch glaube, dass in der Geschichte des Hip-Hop eben über diese rhythmische Sprache große und schwere Konflikte der Gesellschaft auf eine zugängliche und spielerisch lustvolle Weise nach außen gekommen sind. (alle) "Unser Körper, sie werden entspannen. Unsere Körper, sie werden weicher. Weicher und weicher. Und weicher und weicher." Die deutsche Mehrheitsgesellschaft neigt sehr dazu, auch diese Opferbiografien lesen zu wollen. Das ist so eine Vermutung, und ich glaube, es gibt in vielen Stücken, an die ich so denke, von Autoren, die ich schätze, eigentlich Töne, die stärker sind. Oder eben auch ein großer Punkt ist, glaube ich, Humor. Ist es denn ein Tabu, diskriminierende und schwierige Kontexte anzusprechen und dabei humorvoll zu sein? (alle) Zack. Plumps. Am Ende hat man sich mit der Geschichte Deutschlands auseinandergesetzt, hat Geschichten und Lieder gehört, die auch zu diesem Land gehören. Ich wünsche mir ein Theater, in dem jeder, jede alles spielen kann und darf. Und dahin ist es noch ein weiter Weg, weil wir erst mal Sehgewohnheiten aufbrechen müssen, um das selbstverständlich und natürlich zu machen. Man muss Sehen ja auch trainieren, weil wir uns am Theater in einem Fantasie-Raum bewegen. Niemand, der Hamlet spielt, hat eine Königsfamilie zu Hause sitzen. Und das ist natürlich bei Herkunft noch mal eine andere Sache, weil da eine andere Marginalisierung mitschwingt und das politisch noch mal einen anderen Stellenwert hat. Die vollkommene Gleichberechtigung hätten wir erreicht, wenn es keinen Unterschied mehr machen würde und wenn die Geschichte trotzdem funktioniert. Mehr solche Inszenierungen und Stücke, die ein Angebot an alle sind, ohne es dabei allen recht machen zu wollen. Was wäre für dich ein Theater der Zukunft? Das Theater der Zukunft? Das wäre eine Vermischung, wo es dann eben nicht auf die Herkunft und auf die Hautfarbe ankommt. Dass der politische Nährboden da ist, der sozusagen allen Menschen, die Spieler sind, ermöglicht, ihren Beruf zu machen in der in der größtmöglichen Vielfalt. Dass es einfach ein Theater ist, was sich speist aus unterschiedlichsten Einflüssen, die alle eine große Kraft haben, die alle für sich schillern, die alle bereichernd sind, wir uns gegenseitig darin befruchten und einfach eine extrem reiche Kultursprache dann entwickeln. Das wäre eigentlich die Utopie. Diesen Geschichtsrucksack kann man nicht ablegen. Der wird immer da sein. Und da auch diese Widersprüche zu verhandeln: Was heißt es, in diesem Land heute zu leben wie jeder andere auch? Das ist die Hauptaufgabe des Theaters, die Welt zu zeigen und Fragen zu stellen. Und dazu gehört eben auch, dass alle, die in der Gesellschaft vorkommen, auch auf der Bühne vorkommen, damit sie sich wiedererkennen können. Die Lautstärke, darin ist vielleicht auch ein Statement, dass wir den Ton auch hochhalten müssen, mit diesen Stimmen. Für Hörbarkeit und Sichtbarkeit sorgen. Themen und Sprechweisen, Positionen und Poesie auch außerhalb des Kanons erkennen und möglich machen. Das hat auch mit Würde und Wertschätzung zu tun. Eben: Theater für alle. Untertitelung: BR 2025