v1.0 . (Ernste, abwartende Musik) Alles ist Rhythmus, auch der Weltraum ist Rhythmus, und ich denke, je stiller man wird, desto mehr Rhythmus, und wenn man ganz still ist sogar, hört man ja manchmal sein Herz pochen. (Atmosphärische, wabernde Klänge) (Rasselnde Percussion) Stille an sich, physisch gesehen, gibt es nicht wirklich. (Hoher, langgezogener Ton) (Hoher Streicherklang) (Klang endet.) (Rhythmisches Trommeln, dazu dunkle Cellomusik) (Rhythmische Cellomusik) Die Portugiesische Cellistin Beatriz Picas und der Freiburger Percussionist Murat Coşkun beim Konzert im Kloster St. Lioba bei Freiburg. ♪ Dada-daja-da. ♪ Daja-daja-da. ♪ Daja-jaja-da. ♪ Daja-daja-da. ♪ Jaja-daja-da. Wo sonst meist kontemplative Stille herrscht, erforschen sie mit ihrem neuen Programm "Rhythmen der Stille". (Trommeln, verzerrter Klang wie von einer Maultrommel) Erst mal ist natürlich die Frage, was ist Stille, was ist Rhythmus? Weil sobald man in der Stille ist, hört man plötzlich viel mehr. So geht es mir. Man hört Dinge, die man vorher gar nicht wahrgenommen hat, und das ist, find ich, eine Möglichkeit, bei so einem Programm zum Beispiel, bewusst einfach zu sagen, ja, ich lass mich mal drauf ein und lausche mal einfach, auch dem Nachklang, ja? Was passiert, wenn ein Ton lange nachklingt, wenn er ausfaded quasi. (Dunkler Celloton, Klopfpercussion) (Celloklang wird höher und hält an.) (Hauchender Klang, der in höhere Töne übergeht, Vogelgezwitscher) Also Stille ist im Kloster ja ganz wesentlich und wichtig. Also unser ganzer Tagesablauf ist ... äh ... durchzogen von Stille. Einmal im Monat öffnen die Benediktinerinnen von St. Lioba ihre Türen für Konzerte. Musik ist auch für die Schwestern eine willkommene Ergänzung zum Leben in Stille, Arbeit und Gebet. (Applaus) Wir haben alle Sorten, Sparten von Musik. Also, ich tanz auch gern mal so nach ... bei Rockmusik im Auto oder beim Zähneputzen und so, ist für mich auch Musik. Also, Musik ist für mich ... jetzt nicht Welt und Religion oder ... Das ist umspannend. Ich kann mir keine Religion ohne Musik vorstellen. (Rhythmische Musik) Murat Coşkun hat türkische Wurzeln und spielt Musik aus aller Welt. Das Kloster ist für ihn ein ganz besonderer Ort. Ich bin ja hier großgeworden. Und ich bin ja muslimisch erzogen und so weiter. Es war immer so: Geh nie in eine Kirche, wenn du hingehst, dann kommst du in die Hölle. So. Um es einmal etwas kurz zu fassen. Und ich hatte mein erstes Ensemble, wo ich mitgespielt habe, das war viel alte Musik, wir haben auch Weihnachtskonzerte gemacht, Ich hab Kirchen schon immer respektiert. Es ist ein sakraler Raum, den darf ich betreten, ich darf hier meine Musik machen oder unsere Musik. Das wird mir immer wieder bewusst, dass man im Leben manche Dinge auch verändern sollte oder auch kann sogar. Und das gibt mir wieder Mut für andere Sachen. ♪ Ah-ja, ah-ja, wou! (Temperamentvolle Musik) Wir suchen hier, glaub ich, eine innere Stille, und dadurch sind alle willkommen, die eine unterschiedliche Art von Spiritualität haben. Und Musik kann dieser Spiritualität helfen. Mein Vater sagt immer, Musik hat diese Transzendenz. Und hier, in so einem Raum, glaub ich, ist die Einladung noch größer. (Sehnsüchtiger Gesang) Bei uns läuft der Rhythmus weiter in Gedanken. Es geht manchmal bis in die Nacht rein. Und das ist Rhythmus in der Stille. Das heißt, es schwingt in uns weiter, und ich denk, das ist nicht nur ein Phänomen, was ich von mir kenne, sondern das ist wohl bei allen so. Wenn man etwas intensiv erlebt hat, man geht nachts ins Bett und vibriert noch, der ganze Körper. (Rhythmisches Klatschen, Jubel) (Applaus) "Die "Rhythmen der Stille" von Coşkun und Picas schweben ganz selbstverständlich zwischen Welten und Kulturen und hallen lang nach. Für mich ist es sehr entspannend, und also wirklich heiter oder irgendwie so beschwingt oder so. Die Musik, der Rhythmus, ähm, die Stimmen dazu, einfach nur, wirklich einfach bewegend. Sehr, sehr, eine ganz, ganz tolle Erfahrung. Mein Körper hat sich bewegt, und gleichzeitig hat sich innen was bewegt, was Seelisches bewegt. Ganz fantastisch. (Heller Gesang von Picas zum Trommeln von Coşkun.) (Abgehackte Klänge) (Sanfte Klaviermusik) Blüten suchen und Ruhe finden. Mit der Kamera. Mit jedem neuen Foto ist Steffen Diemer unermüdlich auf der Suche nach der Stille. (Sanfte Klaviermusik, Rascheln) Es ist mir was ganz, ganz Wichtiges, dass meine Bilder in allererster Linie erst mal Ruhe ausstrahlen. Weil ... man ja heut mit allem Möglichen total überflutet ist. Und ich möcht halt einfach, dass der Betrachter bei meinen Bildern, dass er das fließen lassen kann, also dass Ruhe einkehrt. Und dass man zu sich selbst findet. (Ruhige Klaviermusik) Steffen Diemer verwandelt Blüten in einen Silberhauch auf schwarzem Glas. Jedes Bild: Kunst und Natur in einem. Jedes Bild: eine Betrachtung. Den Kern von dem, was ich rausarbeiten will in dem Bild, das muss ich vorher erkennen. Und ... das ist dann auch der Respekt, der mich trägt, vor der Schöpfung. Viele Sachen stehen Tage hier. Und dann komm ich morgens ins Atelier, und ich weiß ganz genau, okay, jetzt ist es soweit, jetzt bin ich auch in der Verfassung, das Bild auch zu machen. Auch die Methode, mit der Diemer seine Bilder macht, hat einen Einfluss auf die Zeit. Er verwendet ein Verfahren aus dem 19. Jahrhundert. Nicht aus Nostalgie, sondern weil alles handgemacht ist. Begonnen mit den Kameras, die tatsächlich nagelneu sind. Seine Platten aber beschichtet Diemer wie die Altvorderen vor 150 Jahren mit Kollodium und Fotosalzen. Für einen Augenblick muss er sich sputen, denn die Platte muss in die Kamera, solang sie nass ist. Aber hektisch bleibt es nur ganz kurz. Digitale Fotos werden vielleicht in Tausendstel Sekunden aufgenommen, Eine Nassplatte braucht ihre Zeit. Ein paar Minuten müssen es schon sein. (Wehmütige Streichmusik) Die Arbeiten gibt's immer nur einmal. Das gibt auch nur der Prozess her. Selbst wenn wir jetzt die gleiche Pflanze noch mal abfotografieren, dann würde es ganz anders aussehen wie die Arbeit, selbst zehn Minuten danach. Selbst das mundgeblasene Schwarzglas, auf dem er arbeitet, behält bei Diemer sein Eigenleben. Dellen, Ecken und Kanten sind für ihn kein Makel. Sie machen seine Bilder zu einzigartigen Objekten, die er oft mit antiken Stoffen hinterlegt. (Melancholische Musik) Hier sind meine kleinen Schätze. Viele dieser Tuchfragmente stammen aus Japan, wo alte Stoffe mit Lebensspuren hochgeschätzt sind. Diemer hat sie von seinen Reisen mitgebracht. In seiner unsteten Vergangenheit, bevor dieses Atelier sein Schutzraum wurde. Ist so mein kleines, behütetes und geschütztes Universum. Da kann ich mich mit ganz wunderbaren Dingen beschäftigen, die ich vielleicht vorher gesammelt hab oder gefunden hab. Denn der Frieden in seinen Bildern ist in Wahrheit hart erkämpft. Also, nach meinem ganz persönlichen Frieden bin ich schon auf der Suche, ja, das stimmt. In mehr als 20 Jahren als Kriegsberichterstatter war Steffen Diemer von Front zu Front gezogen. Für Fotoagenturen oder Magazine wie den "Spiegel". Immer auf der Suche nach dem Krieg hinter den Mündungsrohren. (Bedrückende Musik, Marschrhythmen im Hintergrund) Landminenopfer hatte er häufig vor der Kamera. Und die Bilder, die dabei entstanden sind, könnte er vielleicht auf dem Computer löschen. Aber niemals aus dem Gedächtnis. (Dunkle, eindrückliche Musik) Kriegerische Handlungen, das ist ja das Wenigste, was in so einem Land stattfindet. Mein hauptsächliches Anliegen war, die Geschichten so zwischendrin zu machen, also, wie geht's jemand, der in Afghanistan lebt und der da auch überleben muss. Oder wie ist es für jemand im Irak, in Bagdad oder sonst wo, der einfach Reis einkaufen gehen will? Das kann sich für den zu einer lebensgefährlichen Angelegenheit gestalten. Das ist für mich Krieg. (Dröhnende Musik) Als schließlich einer seiner besten Freude vor seinen Augen erschossen wurde, war für den Reporte Diemer der Krieg vorbei. (Melancholische Gitarrenmusik) Lange Zeit rührte er keine Kamera mehr an. Dann begann er langsam, Stück für Stück, mit seiner stillen Kunst. (Leises Plätschern) Eine Wandlung, die Jahre dauert und die längst nicht abgeschlossen ist. (Melancholische Gitarrenmusik) Es hat schon was damit zu tun, dass ich dann da meine Vergangenheit gut mit aufarbeiten kann letzten Endes. Wenn ich die Arbeit mach, die ich jetzt mache, bin ich eigentlich ... frei. (Sanfte Gitarrenmusik endet.) (Rhythmische Musik) (Traktorenmotor) (Rasseln, Sprühgeräusch) (Lässige rhythmische Musik) (Motorengeräusch) (Kratzgeräusch) Für das Kunstprojekt "Wändle im Ländle" wird Gemmingen zum temporären Atelier. Ein kleiner Ort nahe Heilbronn. Die Künstler René Sulzer und Yannik Czolk bringen ihre Street Art aus der Stadt hinaus aufs Land. (Abwartende Klänge) Die Ausgangssituation dieser kleinen Projektwoche, ähm, ist natürlich bewusst, den ländlichen Raum auch aufzusaugen und wiederzugeben. Insofern ist es schon anders, als wenn man sich in einem urbanen Umraum bewegt. Durch die Bebauung hab ich immer das Gefühl, es ist wie Scheuklappen. Und sobald die Häuser um einen rum mal wegfallen und der Horizont klar wird, ich hab das Gefühl, dann geht bei mir ... man kann weiter denken. (Ruhige Musik) Für ihr Kunstprojekt mussten René und Yannik selbst aktiv werden. Sie recherchierten im Ort, suchten nach einer passenden Wand und holten sich das Einverständnis des Besitzers vom alten Getreidesilo am Gemminger Bahnhof. (Ruhige Loungemusik) Dann geht's an die Vorbereitungen. Mit einfachen technischen Hilfsmitteln übertragen sie Linien, rechte Winkel und Radien millimetergenau auf die von alten Graffitis bedeckte Fassade, Das ist der Innenradius. - Okay. Man sagt ja auch auf der Baustelle, der teuerste Fehler ist der Messfehler. Wenn du am Anfang falsch anfängst, dann baut da drauf alles falsch auf, und dann stehst du am Schluss da und hast deutlich teurere oder mehr Aufwand in der Korrektur. Deswegen sind wir am Anfang immer sehr genau und versuchen das sehr genau einzupassen, sodass es am Schluss dann perfekt da hinfittet, wo wir's haben wollen. Seit rund 20 Jahren arbeiten die beiden immer wieder gemeinsam an Kunstprojekten im Südwesten. Yannik kommt aus der Illustration. René hat sich auf grafische Elemente spezialisiert. Für ihre Murals verbinden sie die unterschiedlichen Bildsprachen zu einem gemeinsamen Kunstwerk. (Lockere Percussionmusik) Es entsteht so eine Art kreatives Tauziehen, was manchmal anstrengend ist, aber man am Ende an einem Endpunkt rauskommen will, wo beide vertreten sind und man irgendwie das so gemeinsam in die Waage bringt. (Sprühgeräusch) Jetzt kommt Farbe ins Spiel. Die alten Graffitis verschwinden, und das neue großformatige Wandbild nimmt immer mehr Gestalt an. (Abwartende Musik) (Klicken) Mit ihren Murals bringen sie Kunst dorthin, wo sie für alle sichtbar ist. Dabei greifen René und Yannik häufig die Umgebung auf ... (Klicken) ... und treten so in einen Dialog mit dem Ort und den Menschen. Erkennbar auch bei ihrem aktuellen Werk in Gemmingen. (Ruhige, lockere Musik) Allein, wenn dann Leute sich auf der Straße begegnen, sich drüber unterhalten, dass da grad Kunst entsteht, vielleicht sprechen Nachbarn mal wieder miteinander, sagen nicht nur Hallo, sondern man sagt dann: "Ah ja, hast du eigentlich schon gesehen?" Die Arbeit der Künstler wird medial begleitet. um sie später in Ausstellungen zu zeigen. Noch vier weitere Street-Art-Künstler und -Künstlerinnen gestalten Fassaden auf dem Land. (Gesprächsfragmente) "Wändle im Ländle." Ein Projekt von STADT.WAND.KUNST aus Mannheim und dem sogenannten PFFFestival aus Stuttgart. Seit vielen Jahren fördern sie Fassadenkunst im urbanen Raum. Ziel des aktuellen Projekts: Street-Art auch im ländlichen Raum sichtbar zu machen und Menschen ins Gespräch bringen. Also ich finde es fantastisch, dass in so einem kleinen Ort so eine fantastische Kunst kommt. Das ist bemerkenswert. Also da freuen wir uns sicherlich alle. Hoffen wir, dass es auch so bleibt dann und nicht irgendwie noch von anderen Graffitis übermalt wird. (Sanfte, abwartende Klänge) Es ist auch ein bisschen wie so eine Jazz-Session. Das Haus ist das Haus, also das ist schon mal der Grund-Takt. Und wir gucken dann, wie wir mit unseren Instrumenten da quasi dann ... Wer kriegt plötzlich mal den Refrain? Wer macht nur den Grund-Beat? Wer rückt wo in den Vordergrund? Wer stellt sich wo gezielt nach hinten? So wird aus einer alten Fassade ein sichtbares Zeichen dafür, wie Street-Art und Ländle im gemeinsamen Rhythmus Neues schaffen. (Motivierte Gitarrenmusik) ♪ Aber wenn man im Herzen jung bleibt, ♪ kann man sich alles vorstellen. Er hat die Föhnwelle und den Schlager zum Kult gemacht, und dafür lieben sie ihn. Das Original aus den 70ern, Omis Kleiderschrank ausgeräumt, und dann passt es. (Sentimentaler Gesang) Wir sind die Schlager-Omas aus Hofweiher, und wir sind absolute Fans von Dieter Thomas Kuhn. Das Schlager-Phänomen Dieter Thomas Kuhn mit Band steht seit den 90ern auf der Bühne. Jetzt verabschieden sich die Hippies aus Tübingen mit einer Kino-Doku und einer letzten Tournee in den Ruhestand. (Pfiffe, Jubel, Applaus) (Düstere Klänge) Endlich ist es fertig. Das 360-Grad-Panorama vom Konzil im mittelalterlichen Konstanz. Der Künstler Yadegar Asisi hat die Stadt im Ausnahmezustand mit Hunderten kostümierten Statisten nachgestellt, fotografiert und am Computer zu einem riesigen Wimmelbild zusammengesetzt. Ich glaube, dass was wir in dem Panorama schaffen können, Zusammenhänge sehr, sehr einfach, aber nicht banal zu erzählen. Zu sehen ist die zum Leben erweckte Stadt jetzt in einem eigens dafür errichteten Panoramaturm in Konstanz. (Sanft klimpernde Musik) (Lebhafte Musik) Zum 28. Mal entfacht das Grenzenlos-Kulturfestival in Mainz ein Feuerwerk internationaler Tanz- und Performancestücke. "Brilliant unperfekt", so heißt auch diese spanische Produktion, in der behinderte und nichtbehinderte Künstlerinnen und Künstler das Leben feiern. (Hingebungsvoller Gesang, ausgelassene Töne) Blau-schnau-schnau. Wie können wir uns besser verstehen? Vielleicht mit leichter Sprache. Eine Performance, die nachdenklich macht. Willkommen ist, was kommen will. (Rhythmische Klänge) Ist nur der arbeitende Körper ein guter Körper in unserer Gesellschaft? Das hinterfragt "Work Body" vom Wiener Performer Michael Turinsky. (Sphärische Musik) Und wie bringt man Gebärdensprache so auf die Bühne, dass sie zum aufregendsten Teil des Abends wird? (Hoher Gesang, Applaus) Thema ist natürlich Frauen. Da wird der eine oder andere oder die eine oder andere direkt sagen: "Oh nee, schon wieder!" "Müssen wir denn da immer noch drüber reden?" Nein, müssen wir nicht. Aber hingehen zu diesem wunderbaren Festival. (Abwartende Klänge) (Sanfte Musik) Jeden Tag neue Hiobsbotschaften zur KI. Jetzt warnen schon die Verantwortlichen vor ihrer eigenen Technologie, die künstliche Intelligenz sei längst außer Kontrolle. It's a warning sign, a warning sign, that we need to slow down. Auf dem Hambacher Schloss in Neustadt, dem Geburtsort der deutschen Demokratie, verhandelten diese Woche KI-Experten mit Kunstschaffenden über die Gretchenfrage: (Ruhige Musik) Kann die Kunst Impulse geben? Zum Auftakt des Festivals der Fotografie, Poesie und KI erwartet die Besucher eine verstörende Installation. Ihre Gesichter, gescannt, katalogisiert, im Stil von Racial Profiling nach Alter, Geschlecht. Sogar Gefühle will diese KI an den Gesichtern ablesen. Ausgedacht hat sich das Medienkünstler Navid Razavi. Natürlich sind es auch Rassismus-Erfahrungen am Ende, die mich unterbewusst dafür auch sensibilisiert haben, überhaupt mit diesem Thema zu arbeiten. Für mich ist es aber wichtiger, dass dieser aufklärerische Teil im Zentrum steht. Weil heute bin ich davon betroffen, aber morgen vielleicht Sie. (Gesprächsfragmente) Eingeladen hat ihn Kuratorin Josefine Raab. Sie richtet jährlich einen Fotografie-Wettbewerb in Neustadt aus. Sie möchte Kunstschaffende bei diesem wichtigen Thema zusammenbringen. Diese Schere aufzumachen und die Medien als solche zu betrachten, als mediengenerierendes oder bildgenerierendes, textgenerierendes Instrument, mal ganz wertfrei in den Blick zu nehmen und zu schauen, wo sind die Fähigkeiten, wo sind die Schwächen, wo ist der Mensch überlegen, wo kann die Maschine helfen, wo wird sie sich vielleicht auch dahin entwickeln, dass sie besser sein wird als wir? Jörg Heieck experimentiert als Fotokünstler mit fast vergessenen Techniken. Er fürchtet, dass durch die KI etwas verloren geht, wie zum Beispiel die dokumentarische Stadtbildfotografie. Wie so ein Straßenzug, wie so ein Platz aussieht, das macht ja kaum noch jemand. Vieles ist schon verloren gegangen durch die Handyfotografie, weil sich keiner mehr die Mühe macht. Und das wird jetzt noch extremer. Man könnte es ja so manipulieren mit KI, dass es so aussieht wie vor zehn Jahren. Aber es sieht natürlich nicht wirklich so aus wie vor zehn Jahren. Auf den ersten Blick ja, aber das ist nicht die Realität. Das ist eigentlich, das ist eher näher an der Malerei, an dem Bild, was man eigentlich von der Vergangenheit hat. (Nachdenkliche Musik) In einer Neustädter Galerie sind seine Fotoarbeiten und die der anderen 30 Künstler und Künstlerinnen zu sehen. Ohne und mit KI, wie aus dem Nachlass des jüngst verstorbenen Alexander Kluge. Matthias Grund wollte wissen, wie KIs genau arbeiten. Ein Blick in den Maschinenraum sozusagen. (Bohrgeräusche) Im Moment beschäftige ich mich damit, die inneren Strukturen von bildgenerierenden KI-Systemen zu erkunden. Dafür hat er drei verschiedenen KIs Befehle erteilt und das Ganze unmittelbar darauf wieder abgebrochen. Und das sieht dann so aus, als hätte er echte Fotos in der Dunkelkammer zu früh aus dem Entwicklerbad genommen. Merkwürdig unscharf, jedes Mal anders. (Melancholische Klaviermusik) Aber haben diese Bilder auch eine Aura, so wie die von Fotografin Susanne Neiss? Sie war in ihrem leerstehenden Elternhaus auf der Suche nach der Vergangenheit, den abwesenden Menschen. In dem Falle war es, dass ich natürlich in dem Elternhaus, das dann plötzlich sehr leer war, viele Sachen finde. Unter anderem altes, abgelaufenes Fotopapier. Ich habe andere Sachen, die ich auch wiederum gefunden habe, die für mich auch symbolisch für was stehen, wie zum Beispiel Samen von meinem Vater, die er nicht mehr gepflanzt hat. Susanne Neiss gehört zu den Fotokünstlerinnen, die einen Gegentrend zur KI vertreten. Natürlich ist es so, dass parallel jetzt immer mehr diese Manufakturarbeit wieder kommt. Das ist klar. Das ist so ein Gegenpol. Je mehr jetzt die Technik brilliert, desto mehr kommen wieder alte handwerkliche Techniken auch in die zeitgenössische Kunst. (Stimmengewirr) Zurück ins Hambacher Schloss, zu Navid Razavis Überwachungsinstallation, die er mit einer im Netz frei verfügbaren KI einfach so generieren konnte. Wir wissen nicht, was morgen damit passiert, wenn andere Leute das Sagen haben. Für welche Zwecke die diese Technologien nutzen, muss man, glaube ich, sich nicht lange überlegen, dass das Potenzial hoch explosiv ist. (Nachdenkliche Musik) (Rhythmisches Trommeln) (Sanfte Musik) Es geht um die Geste, es geht um die Haltung, es geht um die Präsenz des Widerstands, die Notwendigkeit des Widerstands. (englisch:) ... diese Haltung des Widerstands der einzige Weg dafür ist, Kunst zu machen. (Ruhige, nachdenkliche Musik) Nicolas Daubanes macht Geschichte sichtbar, mit Eisenspänen auf magnetischen Platten. Es ist der Wald um das ehemalige Konzentrationslager Natzweiler-Struthof. Diesen Wald gab es während des Zweiten Weltkriegs noch nicht. Die Leute konnten das Konzentrationslager aus der Ferne sehen und sagten: "Wir haben nichts gesehen, wir wussten von nichts." Aber der Wald ist erst später entstanden. Und deshalb will ich den Wald heute zeigen. Denn darin liegt ein Problem, das uns bis heute betrifft. In der Orangerie in Karlsruhe wurden extra Wände entfernt, damit die Kunst genug Platz hat. So groß sind die Arbeiten und die Themen dahinter. Es geht um Widerstand, Macht und Unterdrückung. Es ist die erste Einzelausstellung von Nicolas Daubanes in Deutschland voller historischer und kunsthistorischer Bezüge. Weil Kunst und Kultur unser kollektives Gedächtnis darstellen und damit die Möglichkeit bieten, dass wir aus Erfahrungen lernen, die andere Menschen gemacht haben, die uns die Geschichte vermitteln kann. Und das ist mir wahnsinnig wichtig im Moment, dass wir nicht vergessen, sondern uns erinnern. Insofern würde ich schon denken, dass diese Kunst in extremer Weise dazu auffordert, sich selbst auf die Suche zu machen. Also die verlorene Zeit oder die verlorene Erinnerung wiederzufinden und aus ihr zu lernen. Sich selbst auf die Suche machen, das trifft auch auf den Künstler zu. Denn Nicolas Daubanes kam erst spät zur Kunst. Mit 23 Jahren besuchte er zum ersten Mal eine Ausstellung. Seine Eltern waren Fabrikarbeiter, starben früh an den Folgen schlechter Arbeitsbedingungen. Für Daubanes war klar, er will einen anderen Lebensweg gehen. Als ich mit der Schule fertig war, wollte ich nicht arbeiten. Ich sagte mir, ich werde nie arbeiten, in keinem Büro, keiner Fabrik, niemals. Und meine persönliche Haltung ist, ich kann mein Leben selbst gestalten, und ich kann eine Haltung des Widerstands einnehmen. Der einzige mögliche Weg dafür ist, Kunst zu machen. (Entspannte Musik) Nicolas Daubanes Kunst ist irgendwie auch die Arbeit eines Archäologen. Denn er besucht und entdeckt die Orte, an denen Geschichte geschrieben wurde und bearbeitet das, was übriggeblieben ist. Fundstücke und vor allem Fotos oder Bilder. (Ruhige E-Gitarrenklänge) Ein immer wiederkehrendes Thema ist außerdem das Gefängnis. Nicht nur als Motiv, sondern auch als Werkstoff. Ich wollte mit Metallspänen arbeiten, weil es mit dem Ausbrechen aus dem Gefängnis zusammenhängt. Wenn Gefangene an dem Eisen an den Fenstern schleifen, entstehen Späne. (Er spricht auf Englisch zu Ende.) Mit solchen Spänen aus Gefängnistüren macht Nicolas Daubanes dann seine magnetischen Zeichnungen. Überhaupt arbeitet er mit ganz eigenen Techniken, brennt zum Beispiel Geschichtsorte in Glas ein. (Ruhige Musik verklingt.) Wir sehen keine Individuen, wir sehen keine Kämpfe, sondern wir sehen Orte, an denen sich etwas abgespielt hat. Und deshalb machen diese Bilder etwas zum Thema, was man selbst finden muss. Und das ist ihr großer Charme. Es wäre ganz platt, wenn das alles sichtbar wäre, fände ich. Denn nur dieses Enträtseln kann uns irgendwie aktivieren, weil es eine Art von Eigenleistung ist. Und Widerstand ist eine Aktivität, die man nur selbst leisten kann. Als einen Aufruf zum Widerstand. So kann man die Ausstellung von Nicolas Daubanes in Karlsruhe durchaus verstehen. Vor allem ist sie aber ein Aufruf zum Lernen aus der Geschichte. Und gegen das Vergessen. (Ominöse, sphärische Musik) (Neugierige Klänge) SWR 2026